jueves 17 de diciembre de 2009

MAN RAY Entre los sueños y la realidad

Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia.

Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz.

En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos.

Es entonces cuando adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros.

Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.

Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas.

Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux".

Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.

Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

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¡Que la gloria lo aguarde siempre por haberse atrevido a ver más allá!

GEORGE A. ROMERO Pionero del Cine Zombie

George A. (Andrew) Romero nació el 4 de febrero de 1940 en Nueva York pero estudió arte y teatro en la Universidad Carnegie-Mellon de Pittsburgh, en Pennsylvania. Comenzó su carrera cinematográfica rodando cortos en 8mm en los años 50 antes de revelarse internacionalmente con su largometraje debut, “La noche de los muertes vivientes” (1968), desabrido film de zombies de bajo presupuesto con elementos gore que a la par que funcionaba en sus dispositivos de horror deparaba una probable alegoría de tipo social influenciada por “El carnaval de las almas” (1962) de Herk Harvey y desarrollada con un tono claustrofóbico y ausente de convencionalismos y concesiones felices.

La película, financiada por Image Ten Productions, con Russ Streiner y Karl Hardman en la producción, contaba, además de con el guión y la dirección de George A. Romero, con su fotografía en áspero blanco y negro y una notoria labor de montaje.

Tres años después Romero rodó “There’s Always Vanilla” (1971), un melodrama que contrastaba con lo ofertado con su primera película. El año de su estreno el director se casó con su novia Nancy, con la que estuvo casado hasta 1978. Tres años después de su divorcio, George contrajo matrimonio con Christine Forrest, actriz que aparece en varias de sus películas, entre ellas la película de vampiros “Martin” (1977).


Con anterioridad a “Martin”, Romero había estrenado el thriller paranoico “The Crazies” (1973) y “La estación de la bruja” (1973), un drama psicológico con el protagonismo femenino de Jan White. En 1974 realizó un documental sobre la figura del jugador de fúbol americano “O. J. Simpson” (1974).

La década de los 70 terminó con “Zombi” (1978), en donde retomaba el subgénero que le dio la fama y con Tom Savini, también actor, ayudando en los efectos especiales y Dario Argento, uno de los grandes del giallo italiano, en la composición musical.

En los años 80 sus trabajos fueron menos prolíficos, estrenando la década con “Los caballeros de la moto” (1981), simpática película de motoristas con resonancias medievales que estaba protagonizada por un joven Ed Harris, actor también colaboró con Romero en “Creepshow” (1982), título de episodios basados en historias escritas por Stephen King.

Más tarde, y sin alcanzar nunca la relevancia de su película debut, aparecerían “El día de los muertos” (1985), su tercer film con temática zombie, “Atracción diabólica” (1988), “Los ojos del diablo” (1990), otro film de episodios, ahora basado en relatos de Edgar Allan Poe y con alternancia en la dirección de Dario Argento, o “La mitad oscura” (1993), adaptación del libro homónimo de Stephen King.

Tras siete años sin sentarse en la silla de director, Romero volvería con el thriller. “El rostro de la venganza” (2000). Su última película es “La tierra de los muertos vivientes” (2005), cuarta entrega de su obsesión zombie con presunto comentario sociopolítico...

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¡Larga vida al genio creador del género zombie como hoy lo conocemos!

domingo 29 de noviembre de 2009

FOTOGRAFÍA POST MORTEM-De los Muertos de la Epoca Victoriana


La fotografía de difuntos fue una práctica muy extendida en el siglo XIX que básicamente, consistía en vestir a un cadáver recién difunto con sus ropas personales y participarlo de un último retrato grupal, con sus compañeros, familiares, amigos, o retratarlo individualmente. El motivo por el cual -en ese entonces- este tipo de imágenes no eran consideradas morbosas, puede deberse al ideal social que se gestara en la época del Romanticismo. En dicho período se tenía una visión nostálgica de los temas medievales, y se concebía la muerte con un aire mucho más sentimental, llegando algunos a verla como un privilegio.

La Fotografía de difuntos es una práctica que nace casi con la misma fotografía (un 19 de agosto de 1839) en París, Francia, pero luego se extiende rápidamente hacia otros países.

El hecho de fotografiar muertos tiene antecedentes pre-fotográficos en el Renacimiento, donde la técnica era el retrato por medio de la pintura en el llamado memento mori: otra técnica de la época medieval donde se concebía que el fin era inevitable y había que estar preparados.
Los difuntos, por otra parte, eran sujetos ideales para el retrato fotográfico, por los largos tiempos de exposición que requerían las técnicas del siglo XIX. En la toma de daguerrotipo la exposición seguía siendo tan larga que se construían soportes disimulados para sostener la cabeza y el resto de los miembros de la persona que posaba evitando así que ésta se moviera.

Las fotografías de difuntos los muestran "cenando" en la misma mesa con sus familiares vivos, o bebés difuntos en sus carros junto a sus padres, en su regazo, o con sus juguetes; abuelos fallecidos con sus trajes elegantes sostenidos por su bastón. A veces, agregaban elementos icónicos -como por ejemplo una rosa con el tallo corto dada vuelta hacia abajo, para señalar la muerte de una persona joven, relojes de mano que mostraban la hora de la muerte, etc.

En el siglo XIX, era una práctica muy común, de hecho en un extracto de "El Nacional", un diario de 1861, se publicaba que el fotógrafo Francisco Rave y su socio José María Aguilar... "Retratan cadáveres a domicilio, a precios acomodados...". Este tipo de publicaciones era la forma en que habitualmente promocionaban sus servicios los fotógrafos en el siglo XIX.

Angelitos era la forma en que en el siglo XIX se conocía a las fotografías post mortem de niños, teniendo en cuenta la gran cantidad de estas por el alto indice de mortalidad infantil de dicha época, dado por los escasos recursos médicos en esos tiempos entre otras cosas. Una familia común sumaban entre 8 y 10 hijos de los cuales solían fallecer la mitad. Tomando en cuenta ese contexto, las fotografías del niño fallecido junto a sus padres y/o hermanos estaban comprensiblemente aceptadas. En la cultura religiosa catolica de america los niños que morían sin pecado original por haber sido bautizados y sin ningún otro pecado en vida, iban directamente al cielo para convertirse en Angelitos, en cambio, los que no habían sido bautizados eran enterrados con los ojos abiertos para que pudiesen ver la gloria del señor, el fotógrafo mexicano mas famoso en este tipo de fotografía es Juan de Dios Machain de Guadalajara.

En 1848, Tomas Helsby ofrecía este tipo de retratos al igual que Bartola Luigi con su socio Aldanondo Antonio, que en 1856 instalaron su estudio especializandose en retratos post mortem.

Daviette, de nacionalidad francesa, en conjunto con el profesor Furnier ofrecían en Perú entre los años 1844-46, los servicios de fotografías de difuntos en la cual recalcaban con avisos en el diario local la posibilidad de inmortalizar al ser querido. En dichos avisos él mismo se anunciaba como "artista fotogénico" recién llegado de París, el cual, se encargaba de "retratar los difuntos como cuadros al oleo".

Las imágenes de todos los cadáveres publicados pertenecen a individuos que fueron noticias de carácter público por lo que hicieron en vida, sea bueno o malo. Con el paso de tiempo, se fue perdiendo el concepto inicial de fotografía mortuoria hasta el punto de llegar a ser repudiada, y volviéndose cada vez más sensacionalista.


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Actualmente resulta casi impensable e inconcebible recurrir a esta práctica un tanto extravagante, pues los tiempos han cambiado desde el nacimiento de la fotografía post mortem y con ellos la sensibilidad de las personas, pero ¿acaso debemos tachar a quienes desean preservar la memoria de sus santos inocentes?

sábado 14 de noviembre de 2009

EL DÍA DE LOS MUERTOS Reseña

El pasado día 17 de octubre dio inicio la jornada en conmemoración por el Día de los Muertos organizada por el colectivo Quito Siniestro.
Dicho día arrancó con la proyección de cortos de terror y suspenso españoles al mismo tiempo que se llevaba a cabo la exposición de las fotografías de la muestra “El Lado Siniestro de Quito”, para después dar paso al controversial film “Pink Flamingo” dirigido por…que sorprendió a más de uno por su fuerte contenido de sexo y violencia explícitos, como si esto fuera poco, finalizada la proyección de la película la reina de la noche hizo su aparición.
Había llegado el turno de Esmeralda y su monólogo Drag Queen dedicado a la Muerte y a los amores fallidos y por qué no decirlo, dedicado también a los deseos carnales y los infaltables desamores.


Para finalizar con la primera muestra de la jornada del Día de los Muertos, la noche se cerró con la participación de DJ Sepsis, quien fue el encargado de dar inicio a la fiesta con sus mezclas que iban desde estilos como el harsh EBM hasta el psychobilly, post punk, bat cave o death rock.

El segundo día de la jornada del Día de los Muertos estaría dedicado a la presentación de bandas musicales de la ciudad de Quito cuyos estilos iban desde el cyber punk hasta el death rock.


La tarde arrancó con la participación de la joven agrupación LOS PARÁSITOS quienes consiguieron llamar la atención de los asistentes por su género, muy poco cultivado en la ciudad, es decir, un post punk al estilo de Los Paralítikos de España o la mítica agrupación Parálisis Permanente.

Después había llegado el turno de EJERCICIO#2 quienes rindieron un merecido homenaje a los grandes JOY DIVISION interpretando temas como Transmission o She´s Lost Control.


LOS PUNTAS fueron los siguientes en salir al escenario con sus notas horror punk y psychobilly que lograron crear ambiente entre los presentes, pues son ya una banda con una amplia trayectoria y reconocimiento en el movimiento punk de la ciudad.


Tras ellos, LA CALLE MORGUE fue la siguiente banda en presentar sus temas al público tras haber permanecido alejados de los escenarios por un tiempo considerable y lo hicieron con gran fuerza y una buena acogida por parte de la gente que disfrutó de sus canciones death rock de principio a fin.


Había llegado el momento para que los sonidos más electrónicos se tomen la noche a cargo de la banda de cyber punk HEMOPHILIA, quienes supieron llevar a cabo su presentación de la mejor manera pese a no haber podido contar con la participación de su guitarrista a quien deseamos su próxima recuperación.




CADÁVER P.R.A.N.K fue la siguiente agrupación en interpretar sus temas de corte EBM, bastante sobrios y bien elaborados dando la premisa de lo que se avecinaba.


LA SOCIEDAD FUNERARIA iba aumentando la intensidad en la noche con sus beats acelerados y penetrantes voces harsh que impresionaron a muchos a pesar de los imprevistos técnicos que pudieron ser superados para que su presentación continúe y finalice de la mejor manera.

A manera de intermedio, había llegado la hora de presentar al FREAK SHOW a cargo de Cry Baby Tattoo (un estudio de tatuajes de la ciudad)quienes ofrecieron un espectáculo de suspensiones que estremecieron a muchos no sólo por lo impactante de la presentación, sino también por la novedad de este tipo de muestra.

Para finalizar con esta primera edición de “El Día de los Muertos”, DM VELVET cerró la noche con sus mezclas que abarcaban varios estilos dentro de la onda electrónica oscura pasando revista de sus mejores exponentes a lo largo de distintas épocas.

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Felicitaciones una vez más a este joven colectivo quiteño por impulsar propuestas poco convencionales y bastante desconocidas en el medio. Esperamos que continúen con la difusión de estas corrientes un tanto estigmatizadas…¡SUERTE Y SIGAN ADELANTE!

lunes 12 de octubre de 2009

GILLES DE RAIS Barba Azul

Gilles de Montmorency-Laval, baron de Rais, llamado Gilles de Rais (o Gilles de Retz) (10 de septiembre de 1404 - 26 de octubre de 1440), fue un noble y asesino en serie francés del siglo XV que luchó en los años finales de la Guerra de los Cien Años junto a Juana de Arco, a la que siguió y en la que creyó siempre.

En esta guerra logró convertirse en mariscal de Francia y amasó una gran fortuna. La buena fama que tuvo en su época de grandioso combatiente contra los ingleses se vio truncada por las atrocidades que cometió cuando se retiró de sus labores militares, después de la muerte de Juana y la caída en desgracia del hombre que lo llevó a la cumbre, George de La Tremoille. Es posible que las acciones escabrosas que realizó tengan que ver con una mentalidad psicópata originada en su infancia. Asesinó a centenares de niños en su castillo acompañado de una macabra corte formada por brujos, alquimistas, videntes, adoradores del diablo, etc. Por esto ha sido considerado como uno de los aristócratas asesinos (era la segunda fortuna de Francia) que utilizaban su poder para cometer fechorías, como por ejemplo Erzsébet Báthory o más delante el Marqués de Sade. Fue un hombre impulsivo cuyos cuantiosos crímenes contrastaban con su exacerbada fe y creencia en la religión cristiana, siguiendo la frase de San Agustín "Felix culpa!" ("Dichosa culpa"), y su anhelado deseo del perdón de Dios. Georges Bataille lo calificó de "niño con poder" o de poseer una "monstruosidad esencialmente infantil" y un carácter "arcaico". Para autojustificarse expresó en los procesos que se le hicieron que actuaba según la naturaleza impuesta por los astros y que no la podía controlar. Según estudios psicológicos, pudo sufrir una gravísima esquizofrenia.

La truculenta historia de su vida inspiró unos de los cuentos más famosos de Charles Perrault, Barba Azul, que cuenta los asesinatos de un noble contra sus diferentes esposas.

Nació en 1404 en el castillo de Champtocé (en su torre negra), bañado por el río Loira en la región de Bretaña. Fue el primogénito de uno de los grandes linajes de Francia, Guy II de Laval quien se casó con Marie de Craon, la madre de Gilles. Tuvo un hermano, René de Susset, nacido en 1407, con el cual estuvo muy unido en su infancia. Los padres encomendaron la educación de los pequeños a varios tutores eclesiásticos y nodrizas, despreocupándose de ellos. Estos tutores los abandonaron por la ya incipiente conducta desmesuradamente sádica y cruel de Gilles.

Un hecho terrible marcó a Gilles cuando tan solo tenía 9 años; su padre Guy fue atacado por un verraco moribundo mientras cazaba con otros nobles una mañana de febrero de 1414. Resultó que llegó a herir al animal pero este en su último estertor le dio una enorme embestida que consiguió incrustar los cuernos en su estómago. Guy fue llevado a su casa, en donde nada pudieron hacer por él. El pequeño Gilles vio como agonizaba su padre desangrándose lentamente, mientras sus vísceras se esparcían por su lecho. Esta sangrienta visión la tuvo presente durante toda su vida y la repetiría con muchas de sus víctimas en el futuro, cuando les rajaba el estómago y se quedaba ensimismado con el espectáculo de sangre y entrañas.

Poco después de este hecho su madre Marie también murió y Gilles y su hermano quedaron bajo a la tutela del abuelo materno, Jean de Craon. Este hombre inculcó a los dos hermanos el narcisismo, la soberbia, el poder, el orgullo, con los que Gilles fue desarrollando su personalidad. Al principio Jean no prestó mucha estimación a Gilles y le dedicó más tiempo a su hermano. Entonces Gilles se fue refugiando en las bibliotecas de la casa Craon, en donde encontró a sus álter ego y héroes en el libro de La vida de los doce Césares de Suetonio. Libro que marcó profundamente el sentir de Gilles. En este recopilatorio de cómo fueron las vidas y hazañas de Julio César y los primeros emperadores romanos, Gilles vio que todos ellos ostentaron riqueza y poder y se dedicaban a los mayores placeres de la vida además de cómo impartían poder sin verse obligados a dar explicaciones. Tomó buena nota de todos los césares y de sus personalidades para después repetir esos perfiles a lo largo de su poderosa vida de noble. Sus emperadores favoritos fueron siempre Nerón, Tiberio y Calígula, personajes claramente desequilibrados. Según dijo el propio Gilles en los juicios que lo acusaron de sus crímenes, en su infancia y adolescencia no tuvo ningún gobierno de su abuelo e hizo siempre todo lo que quiso moviéndose por impulsos violentos la mayoría de veces.

A los 14 años su abuelo le regaló una gran armadura milanesa y fue proclamado caballero. Manejó pronto la espada y también fue temprano en aburrirse al practicar sólo con peleles (muñecos construidos precisamente para la práctica) y empezar a relucir toda su agresividad hacia todo ser viviente. Primero animales, pero luego con seres humanos, como fue el caso de su compañero y amigo de la infancia, Antoin. Un día propuso un duelo entre ellos con machetes, que al principio fue inofensivo, pero que luego a Gilles se le escapó de las manos y asestó con su machete en el cuello de Antoin. Gilles no ayudó a su compañero mientras éste se desangraba en el suelo y se quedó disfrutando de la visión del brotamiento de la sangre. Fue su primer asesinato, a los 15 años. Quedó sin condena debido a su condición de noble y la intermediación de su abuelo Craon. La familia de Antoin de origen humilde aceptó la exigua indemnización que se les ofreció y así todo quedó zanjado. Otros hechos criminales de su adolescencia fueron alguna que otra perversión sexual.

Su abuelo, hombre sin escrúpulos, sólo se ocupaba en engrandecer su fortuna y poder de forma calculadora y astuta; por el contrario su nieto, aunque también actuaba sin escrúpulo alguno, actuaba siempre sin deliberación alguna y era un absoluto inútil en materia de política y de granjearse poder y riquezas. Un hecho describe la personalidad de abuelo y nieto: cuando intentaron extorsionar a una familia raptando a una gran dama; sus tres hermanos quisieron rescatarla y fueron encarcelados también por Craon, de forma que uno de ellos murió de hambre.

Su enorme agresividad y psicopatía le llevó a alistarse en el ejército para desahogarse con los enemigos a los que se enfrentaba. Su abuelo Craon quería que llegase a la cumbre del poder francés y para ello le recomendó a Guillaime La Jumelliers como consejero en política, estrategias militares y finanzas. Se puso a las órdenes de Juan V,
duque de Bretaña en las querellas residuales de la Guerra de Sucesión Bretona, entre los Montforts y los Penthièvres. Luchó siempre en la vanguardia con sus soldados (tropas pagadas por él), y sus compañeros de armas lo admiraban porque parecía poseído cuando luchaba dando mandobles, con una rapidez y fuerza increíbles, pareciendo que eran los demonios quienes regían sus movimientos.

Después de esta campaña, y de vuelta a casa, raptó a su prima Catherine de Thouarscon de 15 años de edad, que pertenecía a una casa nobiliaria bretona. Se casó con ella el
24 de abril de 1422, el mismo día del rapto de forma clandestina. Tenía 17 años. Los Thouars poseían varios castillos que, juntos con los de Rais-Laval, harían de la unión la más rica y potente de Francia.
Pero la familia de Catalina o Catherine no aprobó el casamiento y rechazó unir las propiedades.
Gilles de Rais hizo raptar entonces a la madre de Catalina y la encerró en un castillo a pan y agua hasta que le cedió los castillos de Pauzauges y Tiffauges. Tardaron en procrear a su única hija, Marie, siete años después de su matrimonio (en 1429). Tardaron tanto en tener un hijo debido a las tendencias homosexuales de Gilles que se desinteresó por su esposa al poco de casarse. Ésta lo abandonó junto a su hija para refugiarse en una de las propiedades de su padre. Gilles nunca mostró mayor interés en ambas.
Poco después de la campañas con Juan V, Gilles rindió tributo al que en esos momentos era el
Delfín de Francia, Carlos VII, para combatir contra los ingleses y sus aliados de Borgoña. Lo reclutó el gran chambelán del rey, Georges La Tremoille. Este hombre hábil y astuto sabía ya de la valiente capacidad combativa y guerrera de Gilles, que arrastraba a los soldados hacia adelante en las batallas, lo que le serviría al chambelán para mantenerse en el poder mediante los éxitos militares. En esta época para los nobles la guerra era un juego y gente como Gilles y La Tremoille disfrutaban grandemente. En 1429 conocería a Juana de Arco, quedándose fascinado por lo que revelaban las voces que ella escuchaba, y dicen que también quedo maravillado por su belleza.
El
Delfín Carlos entregó un pequeño ejército a Gilles y a Juana para liberar Orleans del asedio inglés. Junto a ellos estaban otros generales como el Bastard de Órleans (Conde de Dunois), el Duque de Alençon y La Hire. En sólo 8 días las fuerzas francesas lograron levantar un sitio que duraba ya varios meses. Entraron triunfales en la ciudad y todo el mundo los veían como los salvadores de Francia. Poco después contribuyó en las victoria francesas en la Batalla de Jargeau y en la Batalla de Patay. Su audacia y violencia en combate era comparable a la de los berseker vikingos. Gilles llegó a decir durante las campañas con Juana que ella era Dios y que si debía de matar ingleses por mandato de Dios, así lo haría. Se convirtió en su escolta y protector salvándola en varias ocasiones en los fragores de las batallas, como en el ataque a París a finales de 1429. Pese a la matanzas y crueldades de la guerra Gilles se sentía realizado espiritualmente, ya que Juana lo inspiraba y había rendido un gran servicio a su patria. Además, en este mismo año de 1429 fue proclamado mariscal de Francia con tan sólo 25 años (caso único en la historia francesa), amasando una inmensa fortuna, y adoptó la flor de lis en su escudo de armas, mientras Carlos VII fue proclamado rey el 17 de julio en la Catedral de Reims.

Mientras disfrutaba de su mando de mariscal de Francia, ocurrió otro hecho que le marcó: la captura y condena a muerte en la hoguera de Juana de Arco el 31 de mayo de 1431. Pese a que intentó ayudarla contratando un pequeño ejército de mercenarios, aún no se sabe qué pasó para que no llegara a tiempo, ya que tan sólo se encontraba a 25 kilómetros de Ruán, localidad en que se llevó a cabo el juicio. Acusó publicamente a Carlos VII de esta muerte y llegó a llorar amargamente ante las cenizas de Juana y sintió que todo había acabado, que la vida sin ella no tenía ya sentido, que no había pureza en la guerra que se estaba librando. Su última acción en la Guerra de los Cien Años fue en la batalla de Lagny en agosto de 1432, de la cual salió victorioso.

Se retiró de la vida militar a la caída en desgracia de su protector el chambelán La Tremoille en 1434 después de la campaña de amparo al duque de Bourbon contra el duque de Borgoña que sitiaba la ciudad de Grancey. Después de este hecho Gilles perdió su condición de mariscal y se refugió en sus posesiones de la Bretaña francesa (concretamente al castillo de Tiffauges, ubicado en la Vendée) en donde se convirtió en todo un demonio y afloraron sus instintos más perversos.
Entre la muerte de Juana y la falta de acciones violentas en guerra que tanto necesitaba, se desequilibró más aún la mente enfermiza del mariscal, ya que se había acostumbrado a las campañas, los ataques alocados contra los ingleses, a la sangre y a los muertos por doquier. Esta sed de sangre aumentó y no tuvo freno ya con la muerte de su abuelo Craon en noviembre de 1432, con lo que tuvo ya plena libertad de acción y mucho más dinero para poderla costear.

Su negra barba de azulados reflejos hizo que se le llamara Barba Azul. Era culto, aunque no reflexivo, ávido de riquezas pero más despilfarrador. Desde este momento se entrega a los más locos dispendios para satisfacer sus más caros caprichos. No se recuerda príncipe o rey que hubiese llevado un lujo semejante. Este hombre tenía pasión por todas las artes, especialmente por la música. Se exacerbaba con los cantos gregorianos llegando al éxtasis. Si oía decir que se había escuchado una hermosa voz, no descansaba hasta conseguir llevar a su servicio a quien la poseía, por muy lejos que estuviera, como los cantores contratados en Poitiers, André Buchet, de Vannes y Jean de Rossingol, de La Rochelle, a quienes pervirtió haciéndoles partícipes de sus orgías y crímenes. Poseía muchos órganos de toda clase. El sonido de este instrumento le producía tal enajenación, que se los hizo construir portátiles para que le acompañaran en sus menores traslados. Consiguió en su exaltación religiosa ser nombrado canónigo de Saint-Hilaire-de-Poitiers y se rodeó de una comitiva de 50 eclesiásticos junto con 200 soldados de caballería cuya sede se encontraba en la capilla de los Saints-Innocents, en Machecoul.

Por otra parte, todo el que acudía a él participaba de su generosidad; el extranjero era bien recibido, cualquiera que fuese su condición, a cualquier hora del día o de la noche; tenía hospitalaria mesa, y era raro que abandonase esa mansión sin salir colmado de dones en especies o en metálico. Gastaba dinero en ostentación para recuperar el prestigio perdido. Realizaba grandes banquetes. Gastó la mayoría de su fortuna en obras teatrales que recordaban sus campañas con Juana y en fiestas para sus extraños amigos y consejeros. Especialmente significativa fue la representación de la batalla del Orleans en mayo de 1435. Esta representación teatral contaba con más de 150 actores, trajes lujosamente detallados, infantaría dispuesta con auténticas armaduras y cuadros que simulaban multitudes. La entrada a este espectáculo era gratuita, e incluso agasajaba a los asistentes con comida y vinos. La representación costó unas 80.000 coronas de la época. Gracias a la representación de la batalla de Orleans Gilles rememoró sus días de gloria. Además mandó a construir autómatas sobre distintos tipos de pájaros, algo que le hizo menguar su fortuna, pero que levantó gran expectación entre las personas que le frecuentaban.

En 1437 vendió Ingrandes y Champtocé a Juan V de Bretaña por escasos 100.000 escudos. Gilles se aproxima al momento en que se anuncia, amenazadora, la ruina inevitable. Sus cofres están vacíos; su crédito, agotado; los que le rodean en las horas dichosas, presintiendo el desastre, se alejan de él. Ante esta situación se vuelve hacia el esoterismo buscando en la alquimia el modo de fabricar el oro que le falta (se interesó por el secreto de la Piedra filosofal). Se rodeó de una corte grotesca de brujas, nigromantes, alquimistas, entre los que se encontraban Guillaume de Sillé, Roger de Brinqueville, Antonio de Palerno, Heriet, Poitou, Corrillaut, ... Finalmente, cae en manos de un embaucador florentino llamado Prelati quien le asegura que llenará sus arcas gracias a la magia negra.

El mariscal visita con frecuencia a su cómplice, se informa con ansiedad del resultado de las investigaciones. Prelati asegura a su señor que, en una de sus invocaciones, ha visto cerca de él al demonio, pero que esta aparición fantástica se desvaneció sin que hubiera podido pronunciar palabra alguna. El crédulo mariscal tenía un pánico atroz al diablo aunque nunca lo veía, hizo caso de Prelatti, con quien tenía una relación homosexual, y mandó que se redoblasen los ensalmosy los conjuros. En otras ocasiones Prelatti salía herido después de una de sus invocaciones, que siempre se relizaban en un cuarto escondido, causando en Gilles más pánico. Sillé fue el proveedor de todos los elementos para las invocaciones en Tiffauges y el padre Eustache Blanchet el de contratar a los invocadores como Prelatti o La Riviére (el cual vio al demonio en una invocación en un bosque en forma de leopardo, ante la credulidad de Gilles) o alquimistas como Jean Petit, el cual realizó varios hornos para trabajar con mercurio. Sin embargo los hornos creados deben ser destruidos ya que el futuro Luis XI, el delfín, visita a Gilles por una orden del rey Carlos V que condenaba la alquimia como herejía. Es imposible que el mariscal salga bien de sus empresas -ha dicho uno de los familiares de Gilles de Rais- si no ofrece al demonio la sangre y los miembros de niños llevados a la muerte. Porque su lectura habitual la constituyen los más ardientes poemas de Ovidio y el relato que hace Suetonio de los criminales sacrificios que exige el rey del Infierno.
¿Qué le importa el sacrificio de vidas humanas si adquiere a ese precio el poderío que codicia? A esto se unía además de su voluntad de matar a niños para su disfrute y placer personal.

En su afán por procurarse víctimas para sus sacrificios, servidores de Gilles de Rais como Henriet y Poitou recorrían los pueblos y las aldeas buscando niños y adolescentes prometiéndoles que les harían pajes en los castillos del señor de Rais. Siempre en lugares lejanos; incluso en algunas el propio Gilles con amabilidad acudía a casas de los plebeyos para asegurar a los parientes de los niños un prometedor futuro. De las víctimas los padres no tenían más noticias y si preguntaban les respondían que estaban bien. Pronto la gente se alarmó, y de Rais recurrió a los raptos.
Entre 1432 y 1440 se llegaron a contabilizar hasta 1.000 desapariciones de niños de entre 8 y 10 años en Bretaña. Pero la gran locura llegaba por la noche cuando él y sus esbirros se dedicaban a torturar, vejar, humillar y asesinar a niños previamente secuestrados. Después de cada sangrienta noche Gilles salía al amanecer y recorría las calles solitario, como arrepintiéndose de lo hecho, mientras sus secuaces quemaban los cuerpos inertes de las víctimas. El temor se apoderó de los habitantes de los pueblos. Los criados tuvieron que ampliar su campo de acción con lo que el pavor se extendía más y más. Hasta que las murmuraciones se convirtieron en gritos que llegaron a las más altas autoridades.

Llegó a utilizar varias de sus posesiones (no sólo el castillo de Tiffauges) para cometer sus fechorías, como el castillo de Machecoul, el de Champtocé y la casa de la Suze.

Una vez se aprovechó de unos niños que eran mendigos y que fueron a pedir limosna inocentemente a su castillo. Gilles los violó y desmembró. A algunos los violó ya muertos y con las entrañas al aire. Una vez muertos los abrazaba fuertemente y deliraba; en otras ocasiones se reía ante los últimos extertores del niño y muchas veces cortaba la vena yugular haciendo brotar la sangre, causándole gran placer.

En algunas ocasiones cuando asesinaba a una de sus víctimas se arrepentía y juraba partir hacia Tierra Santa para redimir sus pecados, pero al poco tiempo volvía a cometer las mismas atrocidades.

Durante los ocho años de terror, Gilles parecía no vivir en un mundo real, rodeado de gran fastuosidad y como si no se diera cuenta de las brutales acciones que llevaba a cabo. Según contó en el juicio que se le hizo, junto con su grotesca corte, cortaban las cabezas de varios niños recién muertos y hacían competiciones para elegir los rostros más bellos. Las cabezas eran ensartadas en picas y las iban calificando. Se llegó a contar que estas calificaciones las firmaba el mismo diablo, que un brujo llamado Rivière podía invocar al diablo, o a uno llamado Barrón, al cual le ofrecían sacrificios como los órganos, ojos, corazones, etc., de las víctimas; todo esto bajo orgías sexuales y etílicas.

En continuadas ocasiones el hermano de Gilles, René, intentó salvar el patrimonio familiar que Gilles estaba vendiendo, incluso con la ayuda del rey crearon una ley por la cual no podían vender más posesiones. René logró comprar el castillo de Machecoul, y vio que en este lugar se encontraban los esqueletos de más de 50 niños. Quiso silenciar lo que vio para evitar posibles malentendidos contra él.
Pero llegó el momento de que todo esto acabara, y ese momento fue cuando el obispo de Nantes, Jean de Malestroit, investigó las desapariciones de Bretaña y vio que no eran casuales.
Malestroit descubrió los crímenes gracias al hecho de que en plena depresión Gilles vendió uno de sus últimos castillos, el de Saint-Etienne-de-Memorte al tesorero de Juan V, Geoffroy de Farron; se enteró Gilles de que un primo suyo, señor de Villecigne, quería comprar el castillo y creyó que Le Farron no aceptó la anulación. Este dejó a su hermano Jean, hombre eclesiástico, al frente del castillo; Gilles en otro de sus impulsos atacó a la iglesia donde Jean celebraba misa y secuestró a este encerrándolo en Tiffauges. El ataque fue conocido por el duque de Bretaña y por el propio Malestroit. Juan V mandó a su hermano el condestable del rey a rescatar a Jean Le Farron mientras él intentaría la paz con Gilles. Al final Gilles de Rais fue capturado el 15 de septiembre de 1440 cuando se presentó a las puertas del castillo de Machecoul, donde estaba entonces Gilles de Rais, un grupo armado al mando del capitán Jean Labbé, que iba acompañado por el notario Robin Guillaumet, en nombre del obispo de Nantes. Portaban órdenes del duque.
Era el fin. Gilles de Rais se entregó, junto con Prelatti, Blanche, Henriet y Poitou, y fue llevado a juicio, y el 19 del mismo mes, es decir, cuatro días después de su detención, empezó el interrogatorio que continuó el día 28, y los días 8, 11, 13, 15 y 22 de octubre.
En el juicio (altamente detallado y del que aún existen los escritos del siglo XV), pasaba del insulto a los jueces al hundimiento más absoluto y fue encerrado en una prisión acomodada por su condición de noble. Se declaró al principio inocente, pero en uno de los trastornos de personalidad que ya sufría de años atrás, rectificó y se declaró culpable quedando muy arrepentido de lo que había hecho el día 15 de octubre y finalmente el día 22 ante los jueces eclesiásticos, comandados por el obispo de Saint-Brieuc, documentó todos los asesinatos y las vejaciones que practicaba a los niños (de entre 7 y 20 años), actuaciones pedófilas, rasgaduras, colgamientos del techo por ganchos, decapitaciones, etc. Dijo que hasta había bebido la sangre de los niños, incluso cuando estos aún estaban vivos, que "necesitaba aquel goce sexual" y que escribió un libro de conjuros con la supuesta sangre de los asesinados. Fueron confesiones tremendas, toda Francia se convulsionó ya que la gente no se creía que uno de sus héroes fuera un hombre tan vil. Se llegaron a constatar 200 víctimas aunque probablemente fueran muchas más. Fue condenado por asesinato, sodomía y herejía.

Fue tanto el horror que provocó su confesión que durante el juicio, uno de los presentes cubrió el crucifijo que presidía la sala por la vergüenza que generaban sus palabras. Según crónicas de la época las paredes emanaron sangre que lentamente se deslizó hacia el piso como buscando redención.

Ante su desmedido arrepentimiento fue incluso objeto de compasión de clérigos y plebeyos y se concedió la petición de que fuera una comitiva detrás de él hacia su lugar de ejecución.
Finalmente el día 26 de octubre de 1440, Gilles de Rais junto a dos de sus más perversos colaboradores, habiendo rechazado la gracia real (perdón de la pena que se le extendía por ser Par de Francia) fue conducido al prado de la Madeleine en Nantes para ser decapitado. Sus restos fueron enterrados con solemnidad en la iglesia de las carmelitas de Nantes, a petición del mariscal.

Fragmentos de la declaración de Gilles de Rais en el juicio
“Yo, Gilles de Rais, confieso que todo de lo que se me acusa es verdad. Es cierto que he cometido las más repugnantes ofensas contra muchos seres inocentes –niños y niñas- y que en el curso de muchos años he raptado o hecho raptar a un gran número de ellos –aún más vergonzosamente he de confesar que no recuerdo el número exacto- y que los he matado con mi propia mano o hecho que otros mataran, y que he cometido con ellos muchos crímenes y pecados".
"Confieso que maté a esos niños y niñas de distintas maneras y haciendo uso de diferentes métodos de tortura: a algunos les separé la cabeza del cuerpo, utilizando dagas y cuchillos; con otros usé palos y otros instrumentos de azote, dándoles en la cabeza golpes violentos; a otros los até con cuerdas y sogas y los colgué de puertas y vigas hasta que se ahogaron. Confieso que experimenté placer en herirlos y matarlos así. Gozaba en destruir la inocencia y en profanar la virginidad. Sentía un gran deleite al estrangular a niños de corta edad incluso cuando esos niños descubrían los primeros placeres y dolores de su carne inocente".
"Contemplaba a aquellos que poseían hermosa cabeza y proporcionados miembros para después abrir sus cuerpos y deleitarme a la vista de sus órganos internos y muy a menudo, cuando los muchachos estaban ya muriendo, me sentaba sobre sus estómagos, y me complacía ver su agonía...".
"Me gustaba ver correr la sangre, me proporcionaba un gran placer. Recuerdo que desde mi infancia los más grandes placeres me parecían terribles. Es decir, el
Apocalipsis era lo único que me interesaba. Creí en el Infierno antes de poder creer en el Cielo. Uno se cansa y aburre de lo ordinario. Empecé matando porque estaba aburrido y continué haciéndolo porque me gustaba desahogar mis energías. En el campo de batalla el hombre nunca desobedece y la tierra toda empapada de sangre es como un inmenso altar en el cual todo lo que tiene vida se inmola interminablemente, hasta la misma muerte de la muerte en sí. La muerte se convirtió en mi divinidad, mi sagrada y absoluta belleza. He estado viviendo con la muerte desde que me di cuenta de que podía respirar. Mi juego por excelencia es imaginarme muerto y roído por los gusanos”.
“Yo soy una de esas personas para quienes todo lo relacionado con la muerte y el sufrimiento tiene una atracción dulce y misteriosa, una fuerza terrible que empuja hacia abajo… Si lo pudiera describir o expresar, probablemente no habría pecado nunca. Yo hice lo que otros hombres sueñan. Yo soy vuestra pesadilla”.

martes 29 de septiembre de 2009

¡SE AVECINA EL DÍA DE LOS MUERTOS!


En "88 Sueños Rotos" , La Niña E3-28 Y Diego de Almagro (Casa Roja)
Costo: $3.50 (incluye biela) cada día

SÁBADO 17 DE OCTUBRE

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA "El Lado Siniestro de Quito"

PROYECCIONES
Cortos de terror
Pink Flamingo
El Gabinete del Doctor Caligari

MONÓLOGO DRAG QUEEN: "Candelaria y la Guagua de Pan"

FIESTA Electrodark, Batcave, Deathrock, Psychobilly

FREAK SHOW

SÁBADO 24 DE OCTUBRE

BANDAS EN VIVO
Parásitos
Ejercicio #2 (Tributo a Joy Division )
Los Puntas
La Calle Morgue
Cadáver P.R.A.N.K
Hemophilia
La Sociedad Funeraria

FIESTA EBM-ELECTRO HARSH con DM VELVET
Más información en:

lunes 21 de septiembre de 2009

PEDRO ALONSO LÓPEZ El Monstruo de los Andes

Pedro Alonso López, mejor conocido como “El Monstruo de los Andes” nació en Tolmia, Colombia en una numerosa familia de 13 hermanos. Su madre, prostituta, lo golpeaba. Fue echado de su casa a los ocho años por haber violado a su hermana menor.

Para su mala suerte fue adoptado por un pedófilo quien lo sodomizaba. Después de un tiempo se alejo a vivir en las calles donde permanecía escondido de día y por las noches salia a buscar comida en los contenedores de basura. Cuando cumplió 18 años fue apresado por el robo de autos y enviado a una prisión donde fue violado, su venganza fue el asesinato de tres de sus abusadores.


Tras ser puesto en libertad comenzó lo que sería quizás el récord criminal más impresionante del que se tenga historia, Mientras se encontraba en el Perú comenzó matando pequeñas niñas impunemente, para 1978 alcanzó la impresionante cifra de 100 asesinatos. Posteriormente se mudo a Colombia y Ecuador donde asesinaba en promedio a 3 personas a la semana. Gustaba de matar a menores ecuatorianas porque según el eran “más gentiles y confiadas, más inocentes”.


En 1980 fueron descubiertas sus primeras victimas cuando una inundación desenterró cuatro cadáveres. Fue arrestado cuando intento secuestrar a una niña en un super mercado. Tras su captura, confeso todos sus crímenes. Su justificación fue: “Perdí mi inocencia a la edad de ocho años, así que decidí hacer lo mismo a tantas muchachas jóvenes como pudiera.”


Al principio, las autoridades se mantenían escépticas, pero Pedro Alonso López les mostró el lugar donde había ocultado a más de 50 niñas y comenzaron a creerle. Cuando se le preguntó que hacia con estas víctimas, Pedro explicó que primero violaba a su víctima, y entonces la estrangulaba mientras miraba fijamente sus ojos.


Se piensa que asesinó alrededor de 300 personas, en su mayoría niñas de entre ocho y doce años, aunque otros piensan que el número puede ascender a 500. Lo que le otorga el récord del asesino en serie más mortífero de la historia.

***

Para que quede claro que mentes retorcidas sobran en el mundo...

lunes 14 de septiembre de 2009

CABARET DU NEANT El Cabaret de la Nada


El saber de la existencia de tan oscuro lugar se lo debemos a las fotografías legadas por Eugêne Atgest ( 1857-1927) quien se dedicó a retratar las escenas más mórbidas de este oscuro lugar parisino. Sabemos que fue fundado por Dorville en 1892 y que se ubicaba en el número 34 de Boulevard de Clichy ( Paris).


Con espectáculos de nombres tan suculentos como: “El fin del mundo”, “Viaje a Liliput”, “El Cabaret del Infierno”, “Los rayos X”, y otros, en este lugar se rendía cada noche un culto particular a la Muerte de la mano de oscuros artistas y personajes de la noche.

La temática principal era la Muerte, la cual ha sido desde tiempo ancestrales, la absoluta protagonista de los más recónditos pensamientos de los hombres independientemente de la cultura, sexo o religión.

Uno de los números estrella era un fantástico truco o efecto óptico en el que como por arte de magia una persona elegida de entre el público se transformaba en un esqueleto o desaparecía; este efecto es conocido como " Pepper´s Ghost".


Pero hay otras historias, más serias que circulan acerca de este Cabaret: hay quien dice que muchas de las noches "aparecían" siniestros actores que no pertenecían al mundo de los vivos, o que quien acudía no solía vivir demasiado después de aquello.

No sólo el local estaba totalmente decorado con parafernalia mortuoria sino que uno podía cenar allí instalado en cómodos ataúdes, como si hubiese hecho ya el viaje al otro mundo. Al entrar al mágico cabaret una voz que surgía de algún rincón en las profundidades exclamaba: “¡Bienvenido, oh viajero fatigado, al reino de la muerte! ¡Entre! ¡Escoja su ataúd, y siéntese a su lado!



***



El culto a la muerte ha existido y existirá por siempre mientras queden mórbidas mentes atrapadas en los cuerpos de los que asumen estar vivos...

jueves 10 de septiembre de 2009

GEORGES MÉLIÈS El Mago del Cine

Georges Méliès nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el lenguaje, que le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egiptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.

Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles.

Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.

Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 simultaneó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe.

Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.

Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, decidió comprar una máquina inmediatamente a los Lumière, que se negaron a vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin. Eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.

Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro.

Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena.

En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.

Méliès intentó distribuir comercialmente "Viaje a la Luna" en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por toda Norteamérica, y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación.

Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil.

En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido.

Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria.

En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy.

Falleció en el hospital Léopold Bellan de París el 21 de enero de 1938 y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.

Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas.

Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière.

***

Es una verdadera lástima que Méliès haya sido olvidado por sus contemporáneos aun cuando le debían el hecho de haberles mostrado la fantasía como nunca antes había sido vista, con ingenio, ingenuidad y verdadera magia...

lunes 31 de agosto de 2009

Bloody Fest 2009 Reseña

El pasado sábado 29 de Agosto se realizó el evento Bloody Fest organizado por el colectivo “Horror en Quito” en el valle de Los Chillos.

El evento arrancó con la presentación de la agrupación de electro dark wave HEMOPHILIA. Sus líricas cargadas de odio y los fuertes beats de su música anunciaban la tónica del evento que se llevaría a cabo la tarde y noche de ese día, especialmente con su cover de la gran agrupación Siouxsie and the Banshees: Happy House.

Los PERTURBADOS prosiguieron con el recital. Esta joven banda punk quiteña llamó mi
atención pues sus líricas trataban temas a los cuales la escena punk de la ciudad no está tan habituada, tales como la licantropía y los zombies. (:-)

La electrónica se tomaba una vez más la tarde en el Bloody Fest de la mano de LA SOCIEDAD FUNERARIA (harsh ebm) con su clásico tributo al horror.



Había llegado la hora del Rock´n Roll a cargo de los ANÓNIMOS, quienes se encargaron de prender el ánimo de lxs asistentes con excelentes temas tales como: Tutti Frutti y su versión del clásico de Misfits: Die, die my Darling.

LOS PUNTAS proseguirían con esta noche de horror y rock ´n roll. Esta clásica banda de la ciudad de Quito logró llegar al clímax del evento con su ritmo (en ocasiones psychobilly, predominantemente post punk) al interpretar su versión de la primera banda punk del país: Descontrolados.

Tras Los Puntas, era el turno de los ANTIPATIKOS y su punk rock para cerrar la noche a pesar de la posterior presentación de la clásica banda quiteña de HC punk Mortal Decision, pese a no constar en el cartel oficial del evento.

Visiten:

www.myspace.com/hemophiliaecuador
www.myspace.com/lospuntas

***
Eventos como este ayudan a consolidar el casi incipiente movimiento oscuro en la ciudad; y es gracias a colectivos como Horror en Quito que la escena seguirá fortaleciéndose… ¡Sigan Adelante!

DetonArte 2009 Reseña

La pasada semana del 22 al 29 de Agosto se llevó a cabo el concurso de Graffiti e Intervención Urbana “DetonArte” organizado por el colectivo quiteño “Dementzia”.

El evento estuvo matizado por la realización de graffiti y murales en distintos escenarios de la ciudad de Quito y demás actividades, como es el caso de los talleres dictados por los artistas internacionales (Colombia, México, Perú, Chile, Brasil, Francia) en las inmediaciones del Teatro Bolívar.
Las jornadas arrancaron con la inauguración del 1º Festival Internacional de Arte Urbano organizado en nuestra ciudad en el ya mencionado teatro, donde se exhibieron los trabajos de arte urbano que ya se vienen organizando en algunos de los barrios de la Quito además de otras muestras culturales de música y danza.

El 24 se iniciaron los trabajos de los artistas del graffiti y street art en el subsuelo del teatro Bolívar.

Al día siguiente, los artistas se trasladaron a la Av. Occidental donde el trabajo se extendió hasta bien entrada la tarde. De aquel día algunos de los mejores trabajos son los siguientes:















































Los trabajos del día 26 de agosto se llevaron a cabo en dos locaciones en el centro de la ciudad.
Del barrio de San Roque, los mejores trabajos:





























Del barrio de San Blas:



























El jueves 26 se llevaron a cabo los talleres a cargo de los artistas internacionales en el Teatro Bolívar.

Había llegado el momento (28 de agosto) en que los artistas se tomaran el popular sector del “Caballito” en el barrio de Chillogallo en el sur de la ciudad:


Finalmente llegó la clausura del festival el día sábado 29 en el Centro Cultural El Aguijón, donde por más de 8 horas fue posible observar de cerca a más de 15 artistas internacionales que plasmaron su trabajo en las paredes de dicho lugar al mismo tiempo que se llevaban a cabo eventos de arte callejero, música, comida, diseño nacional e internacional en el Bazar de Diseño Independiente.

Cabe destacar la labor realizada por el colectivo Freaks, Smooth Criminal, Zeta, Toxicómano, entre otros, por la calidad de su trabajo.
Para más detalles, visiten: http://www.detonarte.com/
***
Porque ya era hora de que el arte callejero se tomara cada esquina, pared y rincón de esta ciudad…

miércoles 19 de agosto de 2009

ELECTROGOTHIC

El pasado sábado 15 de agosto se llevó a cabo el primer evento organizado por el colectivo QUITO SINIESTRO como prelanzamiento del mismo.

Electrogothic era el nombre del evento al que se dieron cita muchxs adeptxs de las expresiones denominadas oscuras y en este caso, un tanto más modernistas como lo es el caso de la música que se estuvo presentando ese día: desde dark wave, future pop, harsh hasta noise.

Es importante recalcar que este colectivo no se centra únicamente en la difusión de propuestas musicales, pues pretende mostrar toda clase de arte no reconocido por su temática siniestra.
La tarde inició con la pryección de una excelente selección de videos musicales en la onda industrial (bastante buenos para crear ambiente).
Después de esto había llegado el turno de Dark Cavern, proyecto noise de Daniel Pico, quien empezó a matizar la tarde y noche del sábado con sus beats a momentos desquiciantes.

Había llegado el turno de HEMOPHILIA. Algo que llamó la atención a más de unx fue la temática de sus líricas: bastante políticas, cargadas de odio y fuerza en cada una de sus canciones. Vale la pena escuchar: Odio, Quantum y su excelente versión de "Happy House" de Siouxsie and the Banshees. Para escuchar más de Hemophilia, visiten: www.myspace.com/hemophiliaecuador

Después de Hemophilia vino LA SOCIEDAD FUNERARIA, un proyecto bastante bueno en la onda harsh ebm, cargado de violencia y líricas que rinden un merecido homenaje a las glorias del terror clásico.

Tras un breve intervalo, llegó la hora de la presentación de danza Butoh a cargo del chileno Pepe Kintún con su presentación en homenaje a los 64 años del primer bombardeo atómico en Hiroshima y Nagasaki. Cada uno de sus movimientos pretendía dar testimonio del horror que significó aquel genocidio de 1945. Realmente sombrío y escalofriante.

Para poner fin a la velada, DJ DM Velvet dio inició al after concert con sus mezclas que durarían hasta entrada la madrugada.
***
Buen inicio para este joven colectivo quiteño. ¡Suerte Quito Siniestro!

martes 11 de agosto de 2009

SIMON MARSDEN Fotógrafo Sobrenatural


Sir Simon Neville Llewelyn Marsden, 4th Baronet es un fotógrafo nacido en Inglaterra en 1948, conocido sobre todo por sus fotografías en blanco y negro y su temática centrada en iglesias, cementerios, bizarros interiores, estatuas, grotescas gárgolas, castillos y paisajes en mayor o menor medida tenebrosos y fantasmagóricos rodeados en su mayoría de antiguas ruinas. Marsden siempre ha estado interesado en viejas leyendas de fantasmas y casas encantadas, de hecho pasó su infancia en dos de esas casas y contó con su hermano y su padre como ávidos lectores de dicha literatura de misterio y terror, haciéndose con el tiempo seguidor también de Edgar Allan Poe.
Su padre le regala en su vigésimo primer cumpleaños una vieja cámara Leica que le enganchó al instante al mundo de la fotografía. Lo que más le intriga es la magia de la luz y el tiempo y el enigma de la “realidad” que estos elementos conjugan. A través de los años ha tratado de describir esto en diversas formas de su trabajo: la irrealidad de lo “real” y la realidad de lo “irreal”. Sin embargo las sombrías atmósferas de Marsden no se basa solo en una cuidadosa selección de los motivos de sus imágenes, sino que además trabaja el blanco y negro con procesos como el uso de película infrarroja.

Marsden comenta: “Los fantasmas son un tema controvertido y la mayoría de las personas tienen sus propias teorías sobre lo que podría ser.” “Es mi convicción personal que el avance inexorable de la ciencia y la tecnología está robando a nuestro mundo una gran parte de su misterio inherente, pero suprimir esta subconsciente espiritualidad es peligroso.” “Creo que otra dimensión, un mundo de los espíritus, corre paralelo a nuestro denominado mundo “real”, y que a veces, cuando las condiciones son propicias, podemos ver dentro y convertirnos en parte de este dominio sobrenatural. La mística de la calidad de mis fotografías refleja este antiguo orden y con ellas se ponen de manifiesto lo que es eterno.”

***
El tema de la muerte se vuelve recurrente y paradójicamente vital al momento de crear para algunxs artistas y sin duda Simon Marsden ha llevado a la fotografía sobrenatural a otro nivel mucho más sobrecogedor.

miércoles 5 de agosto de 2009

MAILA NURMI Vampira


Maila Nurmi nació el 11 de diciembre de 1922 y falleció el 10 de enero del 2008 por causas naturales.

Su nombre real era Maila Elizabeth Syrjäniemi y afirmaba ser sobrina del atleta finés Paavo Nurmi, quien marcara un record mundial en 1921, un año antes que ella naciera. Se mudó a los Estados Unidos junto a su familia a los dos años de edad y creció en Ashtabula, Ohio, hogar de la mas grande comunidad finesa en ese país.


Llegó a la ciudad de Los Ángeles a los 17 años, y modeló para Alberto Vargas y Man Ray, entre otros, lo que la catapultó a la industria fílmica con un pequeño rol en la película If Winter Comes (1947) de Victor Saville.Posó también para fotografías pin-up en revistas de hombres como Famous Models, Gala y Glamorous Models. Se ha informado además que fue despedida por Mae West de la obra de Broadway de 1944 titulada Catherine Was Great porque West pensó que podía eclipsarla.

La idea para el personaje de Vampira nació en 1953 cuando Nurmi acompañó al coreógrafo Lester Horton en el baile anual Caribe Masquerade vestida como uno de los personajes de las viñetas de Charles Addams del periódico The New Yorker. Su aparición con un vestido negro ceñido y con su piel blanca y pálida atrajo la atención de Hunt Stromberg Jr., un productor de televisión que la contrató como presentadora de películas de horror para una cadena televisiva de Los Ángeles, la KABC-TV. Tras varias dificultades para contactar con ella finalmente consiguió su número de teléfono de Rudi Gernreich. El nombre de "Vampira" fue una idea de Dean Riesner, el marido de Nurmi.

El 30 de abril de 1954 la KABC-TV anunció Dig Me Later, Vampira a las 11 de la noche. El Show de Vampira apareció el 1 de mayo de 1954 y durante las primeras cuatro semanas el programa se emitiría a medianoche, trasladándose a las 11 el 29 de mayo. Diez meses después, desde el 5 de marzo de 1955 el programa pasó a emitirse a las 10.30 de la noche. Como Vampira Nurmi presentaba películas mientras recorría una sala llena de niebla y telarañas. A menudo aderezaba su guión con bromas y giros macabros, ofrecía epitafios en lugar de autógrafos a sus admiradores y hablaba con su mascota, una araña llamada Rollo. Cuando el programa fue cancelado en 1955,

Maila Nurmi conservó los derechos de su personaje Vampira y pasó a presentar un programa de otra cadena de la competencia, la KHJ-TV. Varios programas y un anuncio de Nurmi se conservan en colecciones privadas.
Maila Nurmi hizo historia en la televisión como la primera presentadora de películas de terror. En 1957, Screen Gems emitió un ciclo de 52 películas de terror bajo el título Shock Theather. Como resultado las cadenas televisivas de las grandes ciudades de los Estados Unidos comenzaron a emitir este tipo de películas, añadiendo sus propios presentadores de estética macabra (incluyendo a Vampira II y otras imitadoras de Maila Nurmi).

Nominada a los Premios Emmy por el mejor personaje femenino en 1954 participó en películas como Too Much, Too Soon, seguida por The Big Operator y The Beat Generation. Su aparición más destacada en una película fue en la película de Ed Wood Plan 9 from Outer Space (1956), como una vampira resucitada por unos extraterrestres. En 1960 apareció en I Passed for White y Sex Kittens Go to College, seguida por The Magic Sword (1962).

Maila Nurmi fue contemporánea de Marilyn Monroe y Elvis Presley y tuvo una breve relación con Orson Welles. A principios de la década de 1950 mantuvo una estrecha amistad con James Dean, y a menudo se citaban en una cafetería en Hollywood. Ella afirmaba que era amiga de James Dean por que "Tenemos las mismas neurosis" y Dean comentó "Conozco bastante sobre las fuerzas satánicas y estaba interesado en descubrir si esta chica estaba obsesionada con esas fuerzas". Sin embargo, ambos terminaron rompiendo su relación y cuando James Dean murió en un accidente de tráfico surgió el rumor sin fundamento de que "Vampira" había lanzado una maldición al actor por despecho.

El 20 de junio de 1955 un hombre intentó asesinar a Maila Nurmi en su apartamento, aterrorizándola durante cuatro horas. Finalmente la presentadora consiguió escapar y llamar a la policía con la ayuda de un tendero local.

***

Queda más que claro que el culto al terror ha existido desde siempre...

lunes 27 de julio de 2009

ROZZ WILLIAMS Poeta Decadente


Y es que no existe imagen más románticamente obscena y pervertida como la del hombre que un día dio vida a la muerte, la profanación y la decadencia...

Roger Alan Painter , o en realidad Rozz Williams, nació en Pomona, California el 6 de noviembre de 1963 en el seno de una familia protestante y estrictos valores religiosos

Tenía 16 años y Roger Alan Painter vagaba entre las tumbas de su cementerio favorito. Se fijó en una lápida con el nombre Rozz Williams esculpido en ella y se lo quedó para siempre. Y no sólo hasta que puso fin a su vida el 1 de abril de 1998 ahorcándose en su apartamento de West Hollywood. Su leyenda sigue más allá, continuada y respetada por sus fans mientras sus ex compañeros de grupo se peleean por el nombre y dos formaciones llamadas Christian Death (miembros originales en Christian Death 1334 y los poseedores legales del nombre como Christian Death) dan conciertos y aparecen en festivales aquí y allá (o, incluso, esta primavera se verán las caras en el mismo festival).

El punk americano de los 70, que fue más madrugador que el británico, atacó a Rozz fieramente, convertiéndole en devoto fan de New York Dolls, T Rex, David Bowie y los Stooges. Cogió esa imagen sucia, que venía del glam, y la pervirtió son símbolos religiosos y vampíricos creando lo que desde entonces y para siempre sería la estética gótica.
Recuperó la imaginería macabra de la literatura europea romántica (Edgar Alan Poe) y decadentista (Baudelaire, Rimbaud) y con ella conmovió los cimientos del rock y grabó sus primeras canciones con sólo 16 años.

Su grupo se desintegró y rearmó en varias ocasiones. Se pelearon, se dejaron tirados, Rozz intentó suicidarse... Pero en 1985 él decidió dejarlo y sus ex compañeros, ninguno de ellos miembro original del grupo, continuaron legalmente con el nombre, liderados por Valor Kand.
Rozz continuó con otros proyectos, como Premature Ejaculation y Shadow Project con Eva O, guitarrista del grupo, con quien se casó en 1987.

Se apasionó con el culto a Charles Manson -como Marilyn Manson, un gran fan de Rozz Williams- y otros asesinos famosos como Jeffrey Dahmer, El Carnicero de Milwaukee, a quien dedicó la canción Still born/Still life de su disco The rage of angels (1994) porque "ellos han cruzado una barrera que supuestamente no está permitida y eso me fascina, me fascina la gente que va más allá de lo que le dicen o de lo que es correcto o apropiado", dijo en una entrevista.
Durante los noventa no descansó ni un momento, realizó discos de spoken word -hablados- bajo el nombre de Daucus Karota y decidió recuperar sus Christian Death, uno nombre que ya no le pertenecía, por lo que se vio forzado a grabar como Christian Death featuring Rozz Williams, como si fuera un invitado a su propia fiesta.
El 1 de abril de 1998 su amigo Ryan Gaumer encontró su cuerpo muerto. No dejó una nota ni ningún rasgo de depresión alertó a sus amigos de sus intenciones de suicidio. A los 34 años, su último disco, Whorse's mouth fue descorazonador; habló de la adicción a la heroina, la frustración y la tristeza.

***


Donde sea que te encuentres:
Irises lay in spring mud,
where lovers drown each other's sorrows,
where lovers dream about tomorrows.
As for me I drown another kind as
sadness runs course through my veins.
Posie wreaths they crown me.
My heart, My heart.
I should just fade away, fade away
like a flower...

lunes 20 de julio de 2009

ALTER EGO Sara Zambrano


Deambulando por los bulevares atestados de pobres diablos, en una noche galante para algunos, seductoramente peligrosa para mí, me encontré con la grácil figura de una niña que seguía fielmente cada uno de mis pasos cual si fuera mi sombra.

Por absurdo que suene, solamente me percataba de su presencia al caminar junto a los cristales de los escaparates y vitrinas donde se exhibían los pobres holgazanes con “mejor suerte”. Me atrevería a pensar que se trataba de mi reflejo de no ser por la maldad y alevosía con que caminaba el extraño personaje, ¿quién sabe? Talvez haya sido ella quien dejó esa pila de pestilentes cadáveres ante mis pies al salir del bulevar y a lo largo de mi camino a casa.

¿Por qué he despertado con mis manos cubiertas de sangre?

lunes 13 de julio de 2009

EGOS, PECADOS Y VIRTUDES Lorena Cordero

Plumas, maquillaje dark, medias de red, tacones, cadenas, joyas, vestimenta blaquinegra y roja sangre, con los modelos Michelle Alvarado y Manuel Calisto, el protagonista de Cuando me toque a mí, son parte de la estética de la muestra fotográfica "Egos, pecados y virtudes". Esta exposición de la fotógrafa Lorena Cordero se inauguró el pasado 2 de julio en el Teatro Nacional Sucre.

La exhibición muestra imágenes provocadoras que van "más allá del bien y del mal", según manifiesta a manera nietzscheana la artista ecuatoriana, similar a propuestas irreverentes de otros países. El estadounidense David Lachapelle es un ejemplo.

La dualidad que se maneja en las obras, según Cordero, está trabajada en todo sentido: el manejo de la luz que logra impactantes claroscuros y la polaridad siete pecados-virtudes. Entre tules, velas y un reclinatorio, las fotografías trabajadas en Photoshop e impresas en lienzos son similares a una ilustración. "No quiero mostrar los pecados y la virtudes como la oscuridad y la luz, sino como aspectos que todos atravesamos en algún momento dado", manifiesta.Para la fotógrafa, la esencia de este trabajo fue la posproducción.

Cada foto se enmarca en lo que conoce como arte digital, que abarca una serie de trabajo adicional. "Cada obra es una escena, como una obra de teatro, tomada en estudio con un importante trabajo de iluminación", añade la artista.

Desde el inicio, el planteamiento de esta obra fue jugar con la emoción, que parte desde los protagonistas de la obra. Ellos usaron su conocimiento actoral para lograr el personaje que Cordero quería plasmar en cada imagen. Para hacer las fotos, Cordero usó música: desde Gabrielle Roth, música y bailarina, pasando por la onda dark de The Cure y la industrial de Nine Inch Nails. Esto, para estimular la espontaneidad de cada uno.

La idea de la obra nació a raíz de un taller que Cordero hizo en agosto con Gabrielle Roth, en los Estados Unidos, enfocado en la danza como meditación. El trabajo se centraba en los siete pecados y las siete virtudes.Ira, pereza, avaricia, envidia, gula, soberbia y lujuria... Cada escena fue un montaje escénico elaborado, interpretado por la artista a su manera.
***
Propuesta oscura y por qué no decirlo, bastante erótica y provocativa, definitivamente vale la pena verla...Es de destacar el excelente trabajo de la artista al momento de realizar los montajes y el posterior proceso digital.

lunes 6 de julio de 2009

HONDA PENA Carlos Villafagne-Guillermo Garzón Ubidia

No se qué mano cruel, qué honda pena
envenena mi vida eternamente.
Que con el alma de esperanzas llena,
voy a beber el agua de la fuente
y el agua de la fuente se envenena.

Una mujer entristeció mi vida para siempre,
en el alma y en la mente.
Y así mi corazón que no la olvida
vive con el tormento de su herida
muriéndose de sed junto a la fuente.

He matado mis propias alegrías;
el amor ya se fue, se fue muy lejos.
Y entre las sombras de las noches mías
estoy con mi dolor como los viejos
contando historias de mejores días.

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Aquel sentimiento fatalista sólo me hace anhelar con mayores ansias el haber nacido en la épocas románticas, post-modernistas...

lunes 29 de junio de 2009

SOBRE NUESTRA FASCINACIÓN POR LOS FILMES DE TERROR Sara Zambrano

Monstruos de formas impensables, zombies, criaturas del espacio exterior, fantasmas, casos de posesión demoníaca y demás espectros y aparecidos han sido, desde sus inicios, los elementos indispensables para una buena historia de terror, tal y como lo son presentadas en el cine.

Desde que los denominados thrillers estaban dando sus primeros pasos junto con el resto de producción cinematográfica, el objetivo de sus creadores ha sido crear la impresión más aterradora en sus espectadores, ésto a través de buenas tramas (acompañadas de un excelente guión -aunque no en todos los casos-), efectos especiales y el imprescindible elemento sorpresa.
¿Pero qué es lo que motiva al ser humano a sentir una atraccion hacia las más perturbadoras sensaciones de terror y suspenso?

Personalmente me atrevería a decir que existe algo de placentero en el hecho de sentir la adrenalina corriendo por cada parte de mi cuerpo, además, mi mente empieza a tejer marañas prefabricadas en las que el asesino está a mis espaldas, los espectros me observan a través de los espejos y el demonio acecha sigiloso mi sueño para tomar posesión de mi cuerpo dormido. ¿Algo extraño no?
El terror es el sentimiento de miedo en su escala máxima. Si el miedo se define como esquema de supervivencia, se puede asumir que el terror sobreviene cuando el miedo ha superado los controles del cerebro y ya no puede pensarse racionalmente.
Resulta algo absurdo que un individuo se empuje a si mismo a situaciones que podrían desembocar incluso en el pánico, pero si hay algo totalmente loable en las películas de terror es la mórbida atracción que ejercen sobre las mentes endebles e incluso las más rígidas...

***
¿Qué sería del cine sin los gritos y espasmos de terror?

lunes 22 de junio de 2009

DISECCIÓN Víctor Manuel Valencia




















Litografía: Octavio G. Abrajan


Me rompieron el cráneo a golpe lento
Y vieron los doctores admirados,
que al morir, mis postreros pensamientos,
a ella sola estuvieron consagrados.

Levantaron mi párpado caído
y en mi pupila mustia y apagada,
encontraron cual un ave entre su nido,
su imagen adorable retratada.

De mi pecho escapose como un eco,
y al corazón buscaron enseguida,
solo encontraron sin calor el hueco
que me había robado el corazón en vilo.

Siguieron los doctores otra huella
y fueron tras la sangre de mis venas,
ni una gota encontraron, pues con ella
forme la tinta que escribió mis penas.

***

Porque la muerte es parte de nuestra cultura popular...

lunes 15 de junio de 2009

CARLOTA JARAMILLO La Señora del Pasillo

Carlota Jaramillo nació en Calacalí, provincia de Pichicncha el 9 de julio de 1904.

Heredó de su abuelo materno y de su tío Timoleón la afición por la música. Con ellos aprendió a rasgar la guitarra y a entonar ritmos de la música mestiza.

En 1922, para conmemorar el Centenario de la Batalla del Pichincha, se realizó un concurso de música para aficionados; el primer premio era una fina guitarra y el escenario del desaparecido Teatro Edén de Quito.

Carlota Jaramillo recién había llegado a la capital, desde la pequeña población de Calacalí, para estudiar en el Normal Manuela Cañizares; se inscribió en el concurso, junto con su hermana Inés. Entre solistas y dúos, los participantes fueron diecinueve. Las hermanas Jaramillo eran la única pareja femenina y resultaron triunfadoras.

En 1926 Carlota Jaramillo actuó y cantó en la despedida del Colegio, su presentación mereció comentarios y elogios. El compositor Rafael Ramos Albuja le propuso trabajar para una compañía de teatro, propuesta que aceptó. Después ingresó a otra compañía, la de Comedias y Variedades, en donde conoció al compositor Jorge Araújo Chiriboga* y con quien contrajo matrimonio poco después.En poco tiempo se convirtió en la primera actriz del espectáculo. Su primer disco lo grabó en los estudios de Radio El Prado, de Riobamba, en 1938.

La emisión de 1000 discos se agotó en poco tiempo debido a que la cantante era ya ampliamente conocida a nivel nacional. Fue la mujer con más larga trayectoria artística en el país y la que más éxitos logró en difusión. En 1942 Carlota Jaramillo y Luis Alberto Valencia grabaron a dúo para el sello Odeón (Argentina), y después para Ifesa (Ecuador), cuando la técnica fonográfica aún era incipiente, pues grababan directamente al disco y en esas condiciones se exigía del intérprete y de sus acompañantes una intervención impecable, pues el menor error obligaba a repetir íntegramente la grabación.
Sus discos han sido reproducidos en Latinoamérica, Estados Unidos y hasta en Francia.

Carlota Jaramillo murió a los ochenta y tres años de edad, a causa de traumatismos cerebrales producidos por una caída.

***
Su melodiosa voz seguirá desgarrando corazones en las noches de bohemia y tertulia, a la cálida luz de las velas que se disuelve en el cáliz melancólico de algún vetusto licor...

lunes 8 de junio de 2009

CIRCO DE LOS HORRORES Siniestra Diversión

Existe un espectáculo llevado a escena magistralmente por el genial Suso Silva donde los macabros personajes y ambientes tétricamente oníricos nos someten en un profundo y horripilante sopor...

El Circo de los Horrores está basado en la escuela clásica circense aderezada con técnicas de teatro y cabaret, con una puesta en escena tenebrosa que trasladará al espectador a un cementerio, sumergiéndose en un ambiente totalmente desconocido, surrealista pero, sobre todo, muy divertido. Máscaras, maquillajes fantasmagóricos, contorsionistas, malabaristas, acróbatas, payasos y muchas sorpresas más, esperan al espectador, principal protagonista de la función ya que, muchos serán pasados por la guillotina, se les lanzarán cuchillos, se les encerrará en jaulas o se les vestirá con camisas de fuerza. Sus personajes, no llevan cadenas pero parecen muertos en vida. Sin que nos dejemos, nos llevarán a un cementerio gótico ambientado en el siglo XIX.

Este trabajo que evoca la ambientación de los antiguos cementerios perdidos, incluye siniestras apariciones que sobrecogen al espectador y lo mantienen aferrado a su butaca, tenso y nervioso, pero rodeado de un ambiente repleto de humor fresco, inteligente y, sobre todo, espeluznantemente divertido.

Si juntas el ambiente, la decoración, la música, la escasa luz, los efectos especiales, la caracterización, la puesta en escena, el atrezzo, el vestuario y tu predisposición a gritar, el resultado será simplemente macabro. Para temblar… de risa.

La intención de Suso Silva con esta técnica impactante y visual, de clara orientación de cabaret, es atraer a los jóvenes que ya no vienen al circo, “para ellos el circo ha muerto”, dice Suso “pero con el Circo de los Horrores vamos a resucitarlo”.
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Porque el espectáculo debe continuar, ¡Qué vengan las malditas pesadillas!
Para conocer más acerca del Circo de los Horrores, visita:

martes 2 de junio de 2009

DARIO ARGENTO Maestro del Terror Esotérico

Dario Argento (n. 7 de septiembre de 1940) es un director, productor y guionista italiano de cine. Es conocido por sus trabajos del género giallo, y su influencia a películas de terror y slashers. Está casado con la actriz Daria Nicolodi con quien tiene una hija, también actriz, Asia. Precisamente ambas han trabajado en su película de 2007 La terza madre.

Nació en Roma, sus padres fueron el productor de cine Salvatore Argento y la modelo brasileña Elda Luxardo. Empezó su carrera como crítico de cine, escribiendo para varias revistas mientras estudiaba. No entró a la universidad, eligiendo escribir para el diario "Paese Sera".


Mientras trabajaba para el diario comenzó a escribir guiones. Uno de sus trabajos más notables fue en colaboración de Bernardo Bertolucci para la película de Sergio Leone, Once Upon a Time in the West. Escribió y dirigió su primera película, L'Ucello dalle piume di cristallo, que fue estrenada en 1970, siendo todo un éxito en Italia.

Su estilo como director fue influenciado por Mario Bava, Riccardo Freda, Sergio Leone, Alfred Hitchcock, Michelangelo Antonioni y Federico Fellini

Aunque Mario Bava es catalogado como el creador del cine Giallo, Argento fue quien popularizó el género y lo expandió fuera de Italia.

Dirigió tres películas bastante exitosas dentro del género, El pájaro de las plumas de cristal (1970), El gato de las nueve colas (1971) y Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1972).

Argento volvió a los thrillers con Rojo Oscuro (1975), catalogada como el mejor trabajo del italiano. La película hizo famoso a Argento, y su estilo inspiró a varios directores como John Carpenter, conocido por su película Halloween.

La siguiente película de Argento fue Suspiria (1977), un thriller violento y sobrenatural; muchos fans nombran a Suspiria y Rojo profundo como los mejores trabajos de Argento. Esta película era la primera de la trilogía sobre «Las tres madres», tres antiguas brujas que vivían en tres ciudades modernas diferentes.


La segunda película de la saga fue Inferno en los años 1980. Pero la trilogía no se pudo completar debido a problemas financieros.


En 1978 participó en la película de George A. Romero, El amanecer de los muertos, como productor.

Argento volvió al cine giallo con Tenebrae (1982) y Phenomena (1985), un cruce entre terror sobrenatural y giallo clásico, protagonizado por Jennifer Connelly. Además escribió dos guiones para el hijo de Mario Bava, Lamberto Bava, en las películas Demoni (1985) y Demoni 2 (1986).

En 1987 se estrenó la película Opera, mal recibida por los fans y críticos. Además hubo otros incidentes, la muerte del padre de Argento fue durante la producción, la protagonista Vanessa Redgrave dejó el proyecto después que la filmación había comenzado, tuvo problemas trabajando con su colaboradora y pareja Daria Nicolodi, la filmación estuvo llena de pequeños accidentes y errores que convirtieron a la película en una de las peores experiencias de Argento.

Argento colaboró con George A. Romero en una adaptación a la obra de Edgar Allan Poe, Los Ojos del Diablo en 1990. También participó en películas de poca fama como Trauma (1993) y una versión de El fantasma de la ópera en 1998. Tras estas películas perdió muchos fans y los críticos no lo veían de buena manera.

Volvió al género giallo con Insomnio (2001) y El Jugador (2004), recuperando a algunos de sus fans, pero su nuevo estilo no fue visto del todo bien por la crítica.

En el año 2005 dirigió un capítulo de la serie Masters of Horror titulado «Jennifer», el trabajo fue recibido de buena forma por los críticos. Este mismo año realiza el telefilm ¿Te gusta Hitchcock?.


En diciembre de 2006 se estrenó «Pelts», un nuevo capítulo de Masters of Horror, dirigido por Argento.

En 2007 pudo concluir la trilogía «Las tres madres», rodando La terza madre.





***


A pesar de los altibajos a lo largo de su carrera como cineasta, Dario Argento ha sabido poner muy en alto el estandarte del cine gore y giallo con obras que hacen estremecer incluso a los "más fuertes", pues evoca a los ocultos temores y atrocidades del más extraño de los entes existentes: la mente humana

lunes 25 de mayo de 2009

JOSÉ GUADALUPE POSADA Grabador del Pueblo

Muchxs han sido lxs artistxs que al hallarse en momentos coyunturales de corte político y por tanto social, se han solidarizado con la causa revolucionaria y liberadora que se agita en los corazones de quienes han pagado aun con su propia vida el costo de la LIBERTAD.

Este fue el caso de José Guadalupe Posada, quien supo poner su voz de denuncia a través de su obra y en especial mediante sus grabados en los albores de la REVOLUCIÓN ZAPATISTA.

José Guadalupe Posada (Aguascalientes, 2 de febrero de 1852 - Ciudad de México, 20 de enero de 1913) fue considerado por Diego Rivera como el prototipo del artista del pueblo y su defensor más aguerrido. También es considerado precursor del movimiento nacionalista mexicano de artes plásticas. Célebre por sus dibujos y grabados sobre la muerte. Apasionado de dibujar caricatura política. Desarrolló nuevas técnicas de impresión. Trabajó y fundó periódicos importantes. Consolidó la fiesta del día de los muertos, por sus interpretaciones de la vida cotidiana y actitudes del mexicano por medio de calaveras actuando como gente común.

Comenzó su carrera haciendo dibujos , copiando imágenes religiosas y como ayudante de un taller de cerámica. En 1866 trabajó como aprendiz de litografía y grabado en el Taller de Trinidad Pedroza. En esos tiempos realizó algunas ilustraciones satíricas que aparecieron en la revista "El Jicote". Se trasladó en 1872 a la ciudad de León (Guanajuato) en donde realizó litografías y grabados en madera que ilustraban cajetillas de cerillos, documentos y libros.
En 1887 se fue a vivir a la Ciudad de México; instaló su primer taller en la calle de Santa Teresa y después se cambió a la calle de Santa Inés número 5, hoy calle de Moneda. Muy pronto comenzó a trabajar como dibujante editorial en el taller de Antonio Vanegas Arroyo, para quien realizó miles de ilustraciones. Realizó ilustraciones y caricatura política en otras imprentas y algunos periódicos, como el "Argos", "La Patria", "El Ahuizote" y "El hijo del Ahuizote" editado por Ricardo Flores Magón, todos de oposición al gobierno del presidente Porfirio Díaz.

Desde el estallido de la Revolución de 1910 hasta su muerte en el año de 1913, el maestro Posada trabajó incansablemente en la prensa dirigida a los trabajadores, ésta constituye hoy una crónica de la sociedad y la política de su época.
La obra de Posada es muy grande y variada. Su calidad plástica es uno de los más grandes valores que en ella se aprecian, ésta es producto de su ingenio y de su gran oficio de dibujante y grabador.

Son de admirar las composiciones llenas de movimiento, la intención de las líneas del grabado, la fuerza con que confiere el gesto a los personajes y escenas que reproduce. El trazo era según el mensaje que quería transmitir; puede ser difuminado, suave y armonioso, sobre todo en escenas cotidianas y anuncios, o duro y grueso usando líneas encontradas, que transmiten la tensión del asunto violento y de la denuncia.

Los personajes, apoyándose de los textos chuscos y venenosos de las noticias, se muestran entonces mezquinos, cobardes, dignos ó cómicos, según sea el caso. Es una experiencia adentrarse a las obras de Posada, ya que inevitablemente provocan la risa, la curiosidad, el horror y la indignación.
José Guadalupe Posada es considerado como artista "popular", porque provenía del pueblo, porque nutrió su obra del imaginario popular mexicano y porque hizo de él mismo su público. Utilizaba como modelos algunos grabados religiosos novohispanos, fotografías de Casasola y de Hugo Brehme. Tomó también símbolos populares como los animales ponzoñosos, culebras y serpientes, esqueletos, el fuego, el rayo, la sangre, entre otros.
Posada es un maestro del Arte Mexicano, a pesar de ser haber sido rechazado en su época por algunos artistas académicos. Y es que sus estampas, en las que el artista presentaba el verdadero rostro de la realidad mexicana (caótica, pasionaria, llena de muerte, aunque al mismo tiempo llena de vida), chocaban de frente con la corriente de pensamiento que vivía el país a fines del siglo XIX, en la que la ciencia y la razón, lo llevarían al progreso y a las buenas costumbres.


Las imágenes criticaban, con un atrevido humor negro, la desigualdad e injusticia social que existía en la sociedad porfiriana; cuestionaba su moralidad y su culto por la modernidad.

Describió con originalidad, el espíritu del pueblo mexicano desde los asuntos políticos, la vida cotidiana, su terror por el fin de siglo y por el fin del mundo, además de los desastres naturales, las creencias religiosas y la magia.

Las obras van del chisme cómico a la noticia trágica, del suceso real a la narración fantástica. Ilustró corridos, historias de crímenes y pasiones, de aparecidos y milagros. Retrató y caricaturizó a todo tipo de personajes: revolucionarios, políticos, fusilados, borrachos, militares, bandoleros, catrines, damas elegantes, charros, toreros y obreros.
Además ilustró las famosas "calaveras" (versos con alusión a la muerte que se ilustraban con esqueletos vivos personificados) género que Posada desarrolló de manera extraordinaria (si bien al parecer esto no fue idea original suya, pues en México el caricaturista Manuel Manilla ya había hecho este tipo de caricatura). La muerte, decía Posada, era democrática, ya que a fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acabaría siendo calavera. Además de publicarse en los periódicos, éstas noticias e historias insólitas se editaban en las hojas volantes de la llamada "prensa de a centavo" que se vendía en las calles, y que eran bien recibidas por la gente, por su contenido y precio accesible.
Posada es una vena vital del arte mexicano del siglo XX, comenzando por el movimiento muralista, y por artistas como Diego Rivera y José Clemente Orozco, quienes admitieron en su tiempo ser admiradores y seguidores de éste gran artista popular. Sus obras las conservan, entre otras instituciones, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Museo José Guadalupe Posada en Aguascalientes, además de colecciones particulares.
Murió pobre y fue enterrado en una fosa de sexta clase en el Panteón de Dolores, en la ciudad de México. Como nadie reclamó sus restos los siguientes siete años, fueron exhumados para reenterrarlos en una fosa común.

***

Como muchos otros, José Guadalupe Posada descansa ahora en una tumba sin lápida, pero al final...¿quién necesita de ello? Posada vivirá por siempre en sus grabados pletóricos de crítica y denuncia social además de su obra rebozante de cultura popular y detalles zapatistas.

lunes 18 de mayo de 2009

BÉLA LUGOSI Eternamente Drácula

Béla Lugosi fue el nombre artístico del actor Béla Ferenc Dezső Blaskó (20 de octubre de 1882 - 16 de agosto de 1956). Nació en Lugoj, Transilvania, región del Reino de Hungría que estaba anexionado al Austro-Húngara (hoy Lugoj, Rumania), siendo el más pequeño de los 4 hijos de un banquero.

Lugosi comenzó su carrera como actor en Europa, trabajando en distintas obras de Shakespeare. Sin embargo, se dio a conocer realmente con su papel de Conde Drácula en la adaptación cinematográfica de la clásica historia de vampiros de Bram Stoker llevada al cine por el director Tod Browning en 1931, papel que consiguió por su actuación en Broadway del mismo papel.

Durante la Primera Guerra Mundial participó como teniente de infantería y tras la contienda formó parte activa en la izquierda de su país y fundó el sindicato de actores. En 1917 contrajo matrimonio con Ilona Szmik de quien se separaría en 1920.

Tuvo que exiliarse debido a su actividad política primero a Alemania en 1919 y posteriormente abandonó Europa y se marchó a los Estados Unidos. Allí recibió el papel de su vida, el del Conde Drácula, que interpretó primero en los teatros de Broadway y en diversas giras y que posteriormente llevó a la pantalla de la mano de Tod Browning en Drácula de 1931.La película fue un éxito, pero Lugosi se encasilló en papeles de terror con películas como White Zombie (en España, La legión de los hombres sin alma) y Scared to Death. Rechazó interpretar al monstruo en Frankenstein pero realizó un buen trabajo interpretando al trastornado Ygor en dos secuelas, Son of Frankenstein y Ghost of Frankenstein antes de aceptar interpretar finalmente al monstruo en Frankenstein Meets the Wolf Man. Tuvo también un pequeño papel en la comedia clásica Ninotchka junto a Greta Garbo.

Muchos films, como The Black Cat y el anteriormente mencionado Son of Frankenstein equipararon a Lugosi con su mayor rival en el mundo del cine de terror, Boris Karloff. La actitud de Lugosi ante Karloff es tema de muchas y muy variadas opiniones entre los expertos e historiadores de cine. Muchos de ellos nos hablan de un Lugosi resentido por el éxito y la habilidad de Karloff de conseguir mejores papeles dentro de la escena del cine de terror, mientras que otras historias comentan que entre ambos actores -al menos durante un tiempo- existió una muy buena amistad.

Ya casi al final de su vida, volvió de nuevo a aparecer en películas, aunque fuesen de pésima calidad.

El, tras su muerte, histórico director Ed Wood, fue desde siempre un fan de Lugosi. Wood consigue convencer a un anciano Lugosi para que participe en un pequeño papel en su película Glen o Glenda. Posteriormente, Lugosi volvería a interpretar a un científico loco en otra película de Wood, La novia del monstruo. La película biográfica de Wood (Ed Wood, 1994), dirigida por Tim Burton refleja, entre otros aspectos, las relaciones del director con Lugosi, interpretado por Martin Landau.

Como consecuencia de sus apariciones en películas de serie B, especialmente en su film Bride of the Monster, apareció en algunos episodios de la serie de televisión Mystery Science Theater 3000.

Años más tarde, los papeles dejaron de llegarle y se volvió un adicto a la morfina, sustancia que comenzó a utilizar durante su estancia en el frente de guerra para apaciguar el dolor por la herida sufrida en su pierna. Recreó por última vez el papel de Drácula en la película Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein en 1948.

Uno de los papeles más infames de Lugosi fue el que interpretó en una película ya clásica que sería estrenada después de su muerte. Plan 9 from Outer Space de Ed Wood contenía metraje de Lugosi intercalado con escenas de un doble suyo que no se parecía para nada a él. Wood había tenido enormes dificultades para financiar el proyecto, y solo fue capaz de filmar escenas cortas y mudas que planeaba incorporar en el montaje final una vez hubiese encontrado el resto de su financiación. Sin embargo, Lugosi falleció tres años antes de que llegase la financiación total del proyecto (de la mano de la Iglesia Baptista de Beverly Hills, nada más y nada menos), así que Wood contrató al quiropráctico de su esposa para doblar a Lugosi, al que podemos distinguir del auténtico Drácula por el hecho de que no se parece en nada a Lugosi y porque se cubre la cara con una capa en cada una de sus tomas.

Al contrario de lo que podemos ver en el Ed Wood de Tim Burton, Lugosi no recibió un trato de estrella en Plan 9. Sin embargo sí se le nombró como estrella invitada, debajo de Tor Johnson, Vampira y Kenne Duncan.

Falleció de un ataque al corazón a la edad de 73 años en Los Ángeles, California, mientras se encontraba sentado en una silla un 16 de agosto de 1956. La leyenda del terror nos abandonaba interpretando también en la muerte a su personaje más querido y que más satisfacciones le dio en vida, el Conde Drácula. Lugosi, como bien indicaba su testamento, fue incinerado llevando puesto su disfraz de vampiro, en el Holy Cross Cemetery de Culver City, California.

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Al fin y al cabo, todos representamos un papel en la vida, amando nuestro maquillaje de payaso que dibuja las facciones de la sombra que nos pisa los pasos.

lunes 11 de mayo de 2009

SAN DIEGO Bello Panteón Mortecino

El cronista quiteño Luciano Andrade Marín (1893-1972) relata que el punto en que se encuentran la calle Rocafuerte y la Imbabura era conocido como la esquina de “Las Almas”, pues los cortejos fúnebres −que iluminaban el camino con velas en los tiempos en que no había luz eléctrica− se detenían a rezar cuando pasaban por allí, siempre en la noche, camino al Cementerio de San Diego.


La inauguración de este panteón en 1872 fue todo un acontecimiento en la ciudad, pues hasta entonces, cada parroquia tenía un cementerio propio junto a la iglesia parroquial donde eran enterrados obligadamente los fieles de la parroquia. Sin embargo, había problemas en El Sagrario, junto a la Catedral, pues la zona estaba muy poblada y el cementerio de El Tejar era la única alternativa en Quito. El Panteón de las Hermandades Funerarias fue creado por la Hermandad de Beneficencia Funeraria, dependiente de los dominicos y la Hermandad Seráfica, vinculada a los franciscanos. Por su cercanía al convento de San Diego, fue bautizado popularmente como el Cementerio de San Diego.

No solamente se creó entonces un cementerio particular, sino que se introdujeron cambios en las prácticas funerarias en la ciudad, como el uso de ataúdes y la construcción de nichos longitudinales, que usaban más eficientemente el espacio.

Andrade Marín detalla cómo antiguamente se solía amortajar el cadáver de la persona, cubrirlo con una manta fúnebre y llevarlo sobre andas de palos hacia la iglesia donde se velaba y se realizaba la misa de honras de las nueve de la mañana. El cuerpo permanecía en la iglesia hasta la noche, cuando se lo trasladaba al cementerio. La mayoría de la gente era colocada directamente en la tierra, pues las criptas o nichos laterales estaban en las iglesias mayores y conventos.

Solamente las personas adineradas tenían acceso a estos espacios. El cementerio de San Diego abrió sus puertas en de abril de 1872 en la misma zona donde fueron sepultados los caídos de la Batalla de Pichincha (24 de mayo de 1822). Más de un siglo después de su inauguración, este cementerio ha sido poblado por importantes mausoleos de diversos estilos arquitectónicos: clásico, neoclásico, barroco, entre otros. Algunas de estas construcciones fueron diseñadas por importantes figuras de la historia de la arquitectura quiteña, como Francisco Durini, arquitecto que trabajó en el Hospital Militar del barrio de San Juan. En el cementerio de San Diego están tumbas de jefes de Estado, como el célebre José María Velasco Ibarra, cinco veces presidente del Ecuador.

Volviendo a la esquina de “Las Almas”, Andrade Marín relata que allí tuvo su “consultorio” un célebre curandero especializado en sanar del espanto a los guaguas (¿no habrán sido los cortejos fúnebres lo que asustaba a los pequeños?).

El mismo cronista identifica un dato curioso. Antes de abolir la pena de muerte en Ecuador, el último fusilamiento realizado en el antiguo régimen tuvo lugar en los muros exteriores del cementerio de San Diego: un soldado en el año de 1898.

Y es que son muchos los personajes que han terminado en este sitio sus días, POETAS, LOCOS SOLDADOS, AMANTES Y ANDANTES, CLÉRIGOS Y POBRES DIABLOS...pobres diablos.

***

Un sitio hermoso para ver correr la tarde bajo la mirada celosa de la virgen de Legarda, entre mausoleos olvidados y lápidas somnolientas.

lunes 4 de mayo de 2009

1º DE MAYO La Lucha Continúa

Más vale tarde que nunca...

La memoria de lxs obrerxs que perecieron en nombre de una causa que hoy podemos "disfrutar" algunxs jamás será olvidada ni menos aún invisibilizada, es por eso que la lucha continúa...

Lejos de querer retomar dogmatismos comunistas o anarquistas que resultan algo arcaicos en estos tiempos, más de una voz grita hoy en día reclamando lo que la clase burguesa se ha encargado de arrebatarnos.

Porque la lucha de clases sigue vigente, nos negamos a olvidar; es más nos vemos obligadxs a recuperar lo que es nuestro.

En las calles, en la escuela, en los trabajos (que nos matan cada día un poco más), en los medios; no importa la dirección en la que miremos, el enemigo esta ahí, el SISTEMA sigue ahí a menos que nos encarguemos de destrozarlo como el ha hecho con todos y cada uno de nuestros sueños.

Destruye los aparatos ideológicos del ESTADO, tómate las calles de tu ciudad y sé verdaderamente libre: SIN PATRONES ni FRONTERAS que aniquilen tu libertad.

Millones de verdugos integran este macabro engranaje que es el capital, pero tú puedes hacer la diferencia, todxs podemos debilitarlo día a día...BOICOT...
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Nuestra causa es un sóla como lo es nuestra bandera. ¿Qué esperas para levantarte y luchar?

lunes 27 de abril de 2009

EN LAS TRÉMULAS AGUAS DE LA CONFUSIÓN Sara Zambrano


¡Cuán errantes nos vuelve el tiempo!

En vano trataría yo de evocar memorias pasadas de ánimas vecinas y extraviadas para vuestro deleite y aceptación...¿Para qué buscar aceptación perdurable cuando las letras que estáis leyendo existen únicamente y cobran vida cuando atinan a escapar de vuestros apretados labios?

En este preciso momento aquel gato negro de enjutas formas cuestiona mi falta de inspiración, o talvez medita acerca de los insectos que me devoran viva sin que atine a percatarme de ello.

¡Qué más da! Para mañana estas palabras ya estarán empolvadas o quizás ocultas tras un velo de invisible terror. ¿Terror al olvido?

***

Las ilusiones circenses que sostenían mi frágil imaginación parecen haber encontrado la puerta secreta...ahora intentarán escapar...

lunes 20 de abril de 2009

LON CHANEY Una vida dedicada al Terror

Lon Chaney nació con el nombre de Leonidas Frank Chaney en Colorado Springs, Colorado, el1 de abril de 1883, hijo de Frank Chaney y Emma Alice Kennedy; su padre era de ascendencia principalmente inglesa con algún aporte francés, y su madre era descendiente de irlandeses. Ambos padres eran sordomudos por lo que Chaney aprendió desde niño a comunicarse por pantomima. En 1902 comenzó su carrera en los escenarios, viajando com actores populares del teatro y el vaudeville.

En 1905 conoció y se casó con la cantante Cleva Creighton y en 1906 nació su primer y único hijo: Creighton Chaney (alias Lon Chaney Jr.). Los Chaney siguieron de gira hasta asentarse en California en 1910.

Desafortunadamente se produjeron problemas matrimoniales y, en abril de 1913, Cleva se dirigió al Teatro Majestic, ubicado en el centro de Los Ángeles, donde Lon estaba dirigiendo Kolb and Dill. Allí, ella trató de suicidarse ingiriendo bicloruro de mercurio. El intento de suicidio fracasó y arruinó su carrera como cantante; el escándalo y divorcio resultantes obligaron a Chaney a abandonar el ámbito teatral y dedicarse a las películas.

Se ignora el tiempo que pasó allí, pero entre los años 1912 y 1917, Chaney trabajó bajo contrato para Universal Studios realizando pequeños papeles. En esta época, Chaney se hizo amigo de la pareja de directores Joe De Grasse e Ida May Park, quienes le dieron papeles más importantes en sus producciones.

Chaney también se hizo amigo de William Dudley Pelley, quien luego formaría la Legión de Plata, una organización nazi estadounidense. Mientras estuvo en Hollywood, Pelley escribió dieciséis guiones de los cuales Chaney protagonizó dos. Además, Chaney se casó con una antigua colega de la gira Kolb and Dill, una chica llamada Hazel Hastings que cantaba en el coro de la obra. Es poco lo que se sabe de Hazel excepto que su matrimonio con Chaney fue sólido. Luego de casarse, la pareja obtuvo la custodia del hijo de Chaney que ya tenía diez años y había residido en varios hogares e internados tras el divorcio de Chaney en 1913.

Para 1917, Chaney era un actor importante dentro del estudio aunque su salario no reflejara su estatus. Cuando Chaney solicitó un aumento, el ejecutivo del estudio William Sistrom contestó: "jamás valdrás más que cien dólares a la semana".

Tras abandonar el estudio, Chaney luchó como actor durante todo su primer año. No fue sino hasta 1918, al realizar un papel considerable en la película Riddle Gawne de William S. Hart, que el talento de Chaney como actor fue realmente reconocido por la industria del cine.

En 1919, Chaney realizó una actuación importante como "la Rana" (un hombre que finge ser un lisiado que se cura milagrosamente) en El milagro (The Miracle Man) de George Loane Tucker.


La película no sólo exhibió la habilidad actoral de Chaney sino también su talento como amo del maquillaje. El elogio de la crítica y una recaudación de más de 2 millones de dólares estadounidenses pusieron a Chaney en el mapa como el principal actor de carácter de Estados Unidos.

Chaney es recordado como pionero en películas mudas de terror como El jorobado de Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame) y, en especial, por El Fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera). Su habilidad para transformarse mediante técnicas de maquillaje de su propia invención le ganaron el apodo de "El Hombre de las Mil Caras". En un artículo autobiográfico de 1925 publicado en la revista Movie, Chaney se refirió a su especialidad como "caracterización extrema".
También demostró su adaptabilidad con el maquillaje en películas más convencionales, de crimen y aventuras, como por ejemplo The Penalty, donde interpretó a un gángster sin piernas.

Apareció en varias películas dirigidas por Tod Browning, a menudo interpretando a personajes disfrazados o mutilados, entre ellos el lanzador de cuchillos Alonzo el Sin Brazos en Garras humanas (The Unknown) con Joan Crawford. En 1927, Chaney actuó junto a Conrad Nagel, Marceline Day, Henry B. Walthall y Polly Moran en el clásico del terror La casa del horror (London After Midnight) de Tod Browning que quizá sea la película perdida más famosa de la historia. Su última película fue un remake sonoro del clásico mudo El trío fantástico (The Unholy Three) (1930), su única película sonora y la única en que utilizó su voz tan versátil. Chaney firmó una declaración jurada donde establece que cinco de las voces principales en la película (el ventrílocuo, la anciana, el loro, el muñeco y la chica) son en realidad suyas.

Pese a que Chaney creó a dos de los personajes más grotescamente deformados de la historia del cine (Quasimodo, el campanero de Notre Dame, y Erik, el "fantasma" de la Ópera de París), sus representaciones buscaban una reacción de simpatía y tristeza entre la audiencia y no aterrarlos o hacerlos sentir rechazo hacia esos personajes desfigurados que tan sólo eran víctimas del destino.

"Quería recordarle al público que incluso quienes se encuentran más abajo en la escala de humanidad puden tener en su interior la capacidad de sacrificio", escribió Chaney en la revista Movie. "El pordiosero empequeñecido y deforme que vemos en las calles podría tener los más nobles ideales. La mayoría de mis papeles desde El jorobado de Notre Dame, como El Fantasma de la Ópera, He Who Gets Slapped, El trío fantástico, etc., han tenido incorporados el tema del sacrificio y la abnegación. Son estas historias las que quiero contar."

"Él fue una persona que reflejó nuestras psiques. Entró de algún modo a las sombras que existen dentro de nuestros cuerpos; pudo desenmascarar algunos de nuestros miedos íntimos y llevarlos a la pantalla", explicó el escritor Ray Bradbury en una ocasión. "La historia de Lon Chaney es la historia de amores no correspondidos. Él pone al descubierto esa parte de uno, porque uno teme que no lo amen, uno teme que nunca lo amen, uno teme que una parte suya sea grotesca, que el mundo le de la espalda."


Los talentos de Chaney se extendieron más allá del género del terror genre y el maquillaje artístico. También fue un bailarín, cantante y comediante muy hábil. De hecho, muchas personas que no conocían a Chaney se sorprendían por su deliciosa voz de barítono y su aguda capacidad para la comedia.

Chaney y su segunda esposa, Hazel, llevaron una vida privada discreta lejos del círculo social de Hollywood. Chaney promocionaba mínimamente sus películas y los estudios MGM, alimentando así su imagen de misterio.

Durante los últimos cinco años de su carrera (1925-1930), Chaney trabajó bajo contrato de exclusividad para MGM, realizando algunas de sus interpretaciones más memorables. Su papel como un duro instructor de la marina en Tell it To the Marines (1926), una de sus películas favoritas, le ganó el cariño del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, quienes lo nombraron el primer miembro honorario de la industria cinematográfica.


Chaney desarrolló una neumonía mientras filmaba Thunder en el invierno de 1929. A finales de ese mismo año se le diagnosticó cáncer de pulmón. Su condición fue empeorando poco a poco y murió de una hemorragia en la garganta siete semanas después del lanzamiento de una nueva versión de El trío fantástico, el 26 de agosto de 1930. Su muerte afectó profundamente a su familia, a la industria del cine y a sus admiradores. Fue sepultado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery, en Glendale, California. Su lápida ha permanecido sin escritura alguna por razones que se desconocen.

En 1957, se estrenó una película titulada El Hombre de las Mil Caras (Man of a Thousand Faces) que relataba su vida. James Cagney interpretaba a Chaney.






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Una lápida sin nombre para un hombre con mil rostros...

lunes 13 de abril de 2009

EL MUSEO DE LA MUERTE ¿Morbo o Devoción?

Las catacumbas de los Capuchinos en Palermo, Sicilia (Italia) albergan uno de los museos más escalofriantes y singulares del mundo. Las catacumbas datan de 1599 cuando se enterró por primera vez a un monje con fama de santo para que fuera rezado y visitado, el Hermano Silvestro de Gubio. Así descubrieron los monjes las especiales condiciones climáticas que reunían las catacumbas.
Poco a poco esto fue convirtiéndose en una tradición local, al punto de que muchos dejaban instrucciones en su testamento respecto a las ropas que lucirían después de muertos e incluso las que deberían ponerle pasado un tiempo. Así se fueron reuniendo aproximadamente un total de 8.000 cadáveres que se exponen como si de una galería de la muerte se tratase.

Están expuestos en hileras clasificados en Hombres, Mujeres, Niños, Vírgenes, Monjes y Profesionales. En el pasillo de los profesionales podemos encontrar jueces, profesores, militares algunos incluso enterrados con sus ropas militares estilo napoleónico. Muchos de los cuerpos han sufrido deformaciones por el paso del tiempo o han perdido algunos de sus miembros.Destaca por el estado de conservación el cuerpo de la pequeña Rosalía Lombardo una niña de 2 años que parece más bien dormida. El cuerpo fue momificado en 1920, por el doctor Solafia, mediante inyección de compuestos químicos pero hasta el día de hoy se desconoce la fórmula, pues se llevó su secreto a la tumba. Este fue uno de los últimos cuerpos que se depositaron en las catacumbas de Palermo.

En Palermo, hasta el s. XVII, siguieron la costumbre de los franciscanos del culto a los muertos teniendo sepulturas exclusivas para los hermanos, no aceptando que fueran enterrados los particulares. Esta idea cambió a principios del s. XVII debido al traslado de los conventos a la periferia de la ciudad, donde tenían que construir capillas a expensas de algún benefactor que a veces les cedía un edificio con la condición de que a su muerte fueran enterrados en ellos, reservándose así el derecho de sepultura.

Por un Decreto de la Santa Sede de 1637 se concedió permiso a los capuchinos para enterrar en sus cementerios a extraños de la Orden. Así se cumplía el deseo de los fieles de reposar cerca de las reliquias de los santos y en la Iglesia pensando que así estarían también más cerca de la oración y en lugar santo.

Las actuales catacumbas, que han dado fama a la Iglesia y Convento de Capuchinos de Palermo, proceden del año 1599, cuando los frailes comenzaron a excavarlas y ampliarlas bajo el altar mayor por varios motivos: primero porque el lugar primitivo resultaba ya insuficiente y segundo porque decidieron trasladar los restos de los hermanos allí enterrados para dejar un lugar vacío que, debidamente acondicionado, sería utilizado como refugio u hospital para los viajeros que llegaban a Palermo de noche y no podían entrar en la ciudad cuyas puertas se cerraban herméticamente. Así, la primitiva cripta se transformó en hostería y hospital o refugio de viandantes.Pero la gran sorpresa para los padres capuchinos fue que al ir a retirar los restos óseos de los enterrados para trasladarlos a las nuevas sepulturas de la catacumba, hallaron que los cuerpos de 40 de ellos se conservaban con la carne flexible aunque momificada, como si hiciese poco tiempo que hubiesen muerto. Esto fue a causa de la sequedad del terreno y las corrientes de aire. Pero además, los hermanos capuchinos desarrollaron una serie de técnicas especiales de embalsamamiento que les permitían conservar los cuerpos en buenas condiciones, evitando la putrefacción.Estos cuerpos habían sido enterrados siguiendo su costumbre, sin caja, directamente en la tierra, como los musulmanes, en nichos excavados en las paredes.

Trasladaron los cuerpos a sus nuevos refugios y, a medida que hacía falta, iban excavando nuevas galerías subterráneas así como nichos en sus muros donde colocaban los cuerpos de las frailes fallecidos.

El estado de conservación de los cadáveres era impresionante, en gran medida por la especiales condiciones del terreno y en otra por la gran pericia adquirida por los hermanos capuchinos a través de muchos años de práctica. Hay información de que los cuerpos eran colocados para su conservación en un baño de arsénico o de cal, siendo esta última utilizada más en épocas de epidemias. Es sabido que los cadáveres de los individuos muertos por envenenamiento por arsénico se conservan muy bien ya que este producto es un elemento que evita la corrupción de los cuerpos. Los capuchinos sabían esto sin duda y por eso utilizaron esta técnica, al menos en algunas ocasiones

En otros casos se practicó el embalsamamiento con diversos fármacos, inyecciones, que tenía como base la fórmula secreta inventada por el Dr. Solafia. El método más común utilizado fué el de deshidratar los cuerpos dejandolos a lo largo de los pasillos en pequeñas celdas llamadas "coladores".Los cuerpos eran secados en las celdas durante ocho meses,hasta que eran sacados y lavados con vinagre antes de ser expuestos. De 1866 a 1897, los capuchinos fueron expulsados por los decretos de exclaustración quedando las catacumbas bajo la custodia del Ayuntamiento de Palermo.

Durante este periodo de tiempo, los cuerpos, al no ser cuidados debidamente, se deterioraron bastante. Esto significa que los frailes cuidaban constantemente de los cuerpos, y que las momias debían ser vigiladas. En 1897, regresaron los capuchinos y comenzaron a restaurar los daños sufridos por los subterráneos y por las momias. Algunos de los cuerpos fueron envueltos en telas de saco llenas de paja, lo que ayudó a su desecación y eliminación de la humedad y hongos que habían aparecido.

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Para algunos talvez se trata de una magnífica muestra que refleja los efectos de el embalsamamiento y por tanto un extraño atractivo turístico, pero en realidad considero conveniente un llamado al análisis: ¿acaso expresiones komo ésta no contribuyen a satisfacer el morbo de los "santos" religiosos? o ¿debemos admitir santidad donde sobra pecado al servicio del poder?

¿Por qué no dejan a los muertos descansar en paz?

...porque el Infierno está lleno de buenas intenciones...

martes 7 de abril de 2009

ARTURO BORJA El niño que envejeció prematuramente

Nació en la ciudad de Quito en 1892, rodeado de un viejo prestigio familiar. Sobre todo su padre, el doctor Luis Felipe Borja, jurisconsulto eminente. Había en el hogar una atmósfera liberal. Un problema en el ojo lo llevó de viaje a París para su tratamiento. Volvió a Quito con un sentido espiritual diferente. En el propio idioma de ellos pudo leer a Baudelaire, Lautreamont, Verlaine, Mallarmé y Rimbaud. Hay que darse cuenta de lo que eso significaba. Simbolismo y parnasismo le reclamaron lo más escogido de su natural vocación de poeta...
A su regreso a Quito se puso a la cabeza de toda aquella juventud que se sentía atraída por la literatura. Formó grupo con Humberto Fierro, Ernesto Noboa y Caamaño y Francisco Guarderas, y vivió una etapa bohemia. En 1910 tradujo Les chants de Maldoror del Conde de Lautreamont, que publicó en la revista Letras. Arturo Borja se sentía prematuramente desengañado. En los momentos de sus tempranas reflexiones confesaba: "Mi juventud se torna grave y serena como -un vespertino trozo de paisaje en el agua". En otras ocasiones invocaba a la locura, la "Madre locura", como libertadora del tedio, y a la melancolía- "Melancolía, Madre mía!"-, que es renunciamiento y laxitud. Pero en los instantes de mayor crispación interior exclamaba, como en "Vas Lacrimae": "La vida tan gris y tan ruin - ¡La vida, la vida, la vida!". O se quejaba de las amargas vulgaridades del medio nativo, como en su "Epístola a Ernesto Noboa Caamaño", prosaica pero sincera muestra de su inadaptación a la realidad. O, por fin, dejaba ver su decisión misma de ir pronto a la muerte: "Voy a entrar al olvido por la mágica puerta - que me abrirá ese loco divino: Baudelaire!". Y aquella urgencia en verdad se cumplió: Borja murió cuando apenas contaba veinte años de edad.
A ello obedecen la brevedad y las imperfecciones de su producción lírica, recogida de manera póstuma en la "Flauta de Ónix". Pero la nota del refinamiento y la vibración sentimental se deja advertir en buena parte de sus versos. En algunos de ellos es tan expresiva la queja, que fácilmente se han incorporado al cancionero popular. Tal el caso de los versos de "Para mí tu recuerdo..." En otros, como en los de "primavera mística y lunar", lo evidente es una seguridad mayor sobre los inasibles elementos de lo poético: el tema de mayo florido y devoto se ha tratado con un juego deleitoso de imágenes y musicalidad.
Ninguno de sus amigos tomaba en serio su amenaza de que cuando se le acabara el dinero de la herencia de su padre se suicidaría. Sin embargo, pocos días después de terminar su luna de miel con su esposa Carmen Rosa Sánchez, con quien se había casado el 15 de octubre de 1912, murió de una sobredosis de morfina.
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De la misma manera en que sus compañeros de generación marcaron un hito en la lírica latinoamericana, Arturo Borja es sin duda el ángel que se atrevió a volar más alto y lanzarse en picada hacia los abismos insospechables de la poesía y el alma humana.

lunes 30 de marzo de 2009

RAVACHOL ¿Delincuente Anarkista?

Hasta ahora el sitio de La Caja Ronca se ha caracterizado por presentar notas relacionadas al movimiento contracultural oscuro (tal y como se muestra en la presentación); pero creo importante también adentrarse en la utópica senda del anarquismo; no como el caos con el que es vulgarmente relacionado, sino como la legítima naturaleza del ser humano.

Muchos han dado sus vidas por la causa anarquista y en lo posible este espacio servirá para rendirles un merecido homenaje, así como también a las conquistas de esta hermosa utopía.

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François Claudius Koënigstein (1859 - 1892), más conocido por Ravachol, fue un delincuente y supuesto anarquista francés, que se volvió famoso por sus atentados.

Hijo de padre holandés (Jean Adam Koeningstein) y madre francesa (Marie Ravachol), nació el 14 de octubre de 1859 en Saint-Chamond (Loire).
Manteniendo a su familia y viviendo en unas condiciones de aguda miseria económica, Ravachol trabajó en su juventud de obrero textil. También tocaba el acordeón en los bailes dominicales de Saint-Étienne. En 1891 Ravachol fue acusado de robo y asesinato a un religioso de 93 años, hecho que lo volvió conocido, ya que además habría tomado los 15.000 francos robados para asistir a las familias de anarquistas sentenciados por resistirse a arrestos.
También fue acusado de saquear tumbas.

Muy poco hay documentado acerca de algún aporte teórico de Ravachol, y tampoco sobre sus influencias políticas. De hecho, varios autores lo sitúan como un pobre hombre convertido en "héroe anarquista" por escritores burgueses y románticos de la época. Sus acciones fueron en la práctica, para gran parte del movimiento anarquista, reflejo de un resentimiento social del cual aparentemente era víctima más que un hecho de conciencia política.
"No soy nada más que un trabajador sin educación, pero porque he vivido la vida de los pobres, siento más que un rico burgués la iniquidad de sus leyes represivas. ¿Qué le da el derecho a eliminar o bloquear a un hombre que, puesto en la tierra con la necesidad de vivir, se vio obligado a tomar lo que carece para alimentarse a sí mismo?"

Se maneja la teoría, por ejemplo por parte del libertario Luigi Fabbri, que Ravachol estaba fuertemente influido por burgueses franceses que se encontraban en desventaja coyuntural, a quienes les agradaba el romanticismo literario que veían en la inestabilidad política (ejemplo de ello sería el escritor libertario Octave Mirbeau, entre otros).

Identificado con el movimiento anarquista tras la represión sufrida por el proletariado el 1 de mayo de 1891 en Fourmies, donde una manifestación obrera reivindicativa acabaría con más de 14 manifestantes muertos y 40 heridos a manos de las fuerzas del orden, sería autor de tres atentados con dinamita contra representantes del aparato judicial francés.
El 11 de marzo de 1892 Ravachol pone una bomba en la casa del juez de Clichy, Bulot (conocido por su antianarquismo), y el 27 de marzo en casa del consejero-procurador Benot.
También organizó un atentado contra una comisaría de París. Los atentados provocaron grandes daños materiales pero no víctimas.

Muchos anarquistas se negaron a concederle un sitio entre ellos, considerándolo un antisocial y no un libertario, hasta el momento de su ejecución y algunos estudiosos le consideran un simple delincuente que tomaría posteriormente la causa anarquista como justificación de sus actos. Sin embargo, sus atentados pueden ubicarse también dentro de la ola de atentados inspirados en un interpretación violentista -o tiranicida, según se quiera ver- de la teoría de la propaganda por el hecho promovida por algunos anarquistas.

Arrestado en el Restaurante Lhérot el 30 de marzo de 1892, debido a la información pasada por un empleado del lugar, era buscado por un atentado al Restaurante Véry (un sitio de clase media sin ninguna conexión política). Al siguiente día del comienzo del juicio, una bomba estalló en el Restaurante Lhérot en represalia.

Su proceso se inicia el 26 de abril, siendo condenado a cadena perpetua por el atentado y a muerte en un segundo proceso acusado de tres homicidios pasados. Muere en la guillotina el 11 de julio de 1892 en Montbrison. Inició su defensa diciendo:
"Si tomo la palabra, no es para defenderme de los actos de los que se me acusa, ya que sólo la sociedad, que por su organización pone a los hombres en lucha continua los unos contra los otros, es la responsable".
El 9 de diciembre de 1893, Auguste Vaillant arroja una bomba en la Cámara de Diputados francesa en venganza. En 1894 fue detenido y condenado a muerte.

Ravachol se convierte posteriormente en un ícono idealizado de la revuelta, prolongándose su memoria en numerosas canciones de la época y en textos de algunos sectores del movimiento anarquista (que varía desde la idealización estética hasta la ironía). Aunque es en el mundo literario de finales del siglo XIX, sin relación formal al anarquismo, donde se encontraron sus mayores apologías.
Décadas después, Jean Maitrón escribe un libro titulado Ravachol y los anarquistas; en el libro habla ampliamente de la relación entre la figura de Ravachol y los anarquistas.
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...Porque la verdadera amenaza terrorista es el Estado y el sistema capitalista, una misma bandera nos cobija y esa es la bandera negra...

lunes 23 de marzo de 2009

LA TORERA

Verla siempre pasar por las calles del viejo Quito, en las mañanas o en las tardes. Antes de un aguacero como la Guaragua, a punto de llover en la Recoleta o a pleno sol por La Loma. Altiva o encorvada, pausada o en prisa. Trigueña o sonrosada, esbelta o con las piernas torcidas.

Unas veces con una capa de terciopelo, un largo vestido y un paraguas, y otras veces con un terno añil lleno de encajes y falda corta, que decía haberlo traído de Alemania. Pero una y otra vez usando siempre un extravagante , amplio y colorido sombrero con velo; guantes, medias rojas , mullos, plumas, un zapato azul y otro encarnado pero ambos tacones altos; una desmesurada cartera; cintas de colores en el pelo y un pito.

Solía amenazar con repartir paraguazos o bastonazos, mientras vociferaba blasfemias, maldiciones y palabrotas a los guambras y choferes que le gritaban “Torera”.

En una ocasión la observaron encaramada en el carro alegórico de la Universidad Central en aquel corso de Flores, en el cual iba ataviada con sus mejores galas, rodeada de bellas muchachas y de estudiantes disfrazados de matadores, banderilleros y picadores, quienes pedían al público no hacer comentarios (mofa) en voz alta para no herir la susceptibilidad de tan simpar madrina. Fue la comparsa más aplaudida y recordada de esa época.
En otra ocasión por la calle Guayaquil, en la cuesta de San Agustín, a las doce meridiano y en direcciones opuestas divisaron dos toreras, ataviadas casi en forma similar. Sucedió entonces que la una se acercó hasta la otra diciendo ser un fantasma que se había reencarnado en la segunda. Ante el asombro de esta, el fantasma se quitó la peluca y se limpio el maquillaje, entonces e pudo reconocer al Terrible Martínez, quien cogió de la mano a la auténtica Torera dándole un beso en la mejilla y diciéndole: “Quise imitarte porque eres una figura querida y única en Quito”.
Entonces los curiosos aplaudieron y algunos gritaron vivas. La Torera lloró de emoción y dio un beso en plena boca al Terrible.
De estos homenajes que le rindió el pueblo pueden testimoniar los abuelos de una ciudad inolvidables y de una época extinta.

La Torera solía indicar que era descendiente de la nobleza de la ciudad, particularmente del Barón de Carondelet. De esa misma nobleza, que según afirmaba, tramaba volverla loca, porque acostumbraba a enviar sus esbirros para que golpeen cacerolas bajo su ventana o a lanzarle pollos muertos.

Creía que su vivienda era una cueva en los acantilados del Machángara o que residía en una casa en lo alto de la Libertad, cerca del monumentos de los héroes, muy, muy atrás de la calle Huáscar. Creía también que su indumentaria estaba hecha a la moda de los años 20 al estilo de París, o considerar que ese sombrero grande, la falda corta y el pelo recortado estilo “melena Garzón”, con que solía aparecer, era propios de los 30.

La Torera pensaba que era incapaz de envejecer y que habís estado en Europa, exactamente en Francia, al servicio de una familia adinerada.

Nació en Baños en Tungurahua y su nombre era Anita Bermeo. Arrendaba un cuartucho en la casa de alguna familia aristocrática de la ciudad en el que se pasaba remendando tratos y encajes, espumilla de novia y capa de terciopelo, porque su oficio era el de costurera, gracias al cual logró ganar algo de dinero, especialmente en la casa del señor Vásconez Gómez.

Habitualmente entraba altiva al Sagrario o al Carmen Alto para oír misa, pero sin sacarse su sorprendente sombrero florido, razón por la cual era divisada a tiempo por los sacristanes que siempre la sacaban a empellones.

De joven fue en calidad de ama de llaves a San Francisco de California al servicio de la familia Ruy Barbosa, quien le había expresado su interés porque contraiga matrimonio con un tal Mr. Daloween que nunca apareció porque sólo se trataba de un engaño y un enganche.

Podría decirse que su "locura" empezó a partir de esa experiencia en dicha ciudad en que los edificios no dejaban ver el sol ni se podía entender a sus habitantes porque no sabían hablar en cristiano. Fue entonces cuando descubrió a la señora amándose apasionadamente con un negro, cuando e señor salía de viaje; negro del cual tuvo un hijo, al que mas tarde la familia lo escondió en una hacienda en donde lo tenían trabajadno como tractorista, buscando con ello ocultar el pecado y despojar del pasdo a otro mestizo.

Toda esta historia y otros pormenores los contó un día en la Radio Centro, después de que unos muchachos la encerraron en un taxi y se la llevaron a la emisora para obtener la recompensa de 1.000 sucres que había ofrecido el locutor para quien llevase a un personaje célebre de la ciudad. Precisamente esa indiscreción y el error de haber nombrado a otras familias de alcurnia y sus respectivos pecados –a las cuales fustigó y criticó en una exaltada e interminable amonestación hasta el director de la radio cortó de golpe el programa después de una llamada telefonía- fue la causa para que esa misma aristocracia decadente e inútil, sirviéndose de un cura y un alcalde llevaran a cabo su nefasto plan de arrancarla de la ciudad, desprestigiar su lucidez, tacharla de calumniadora y finalmente exiliarla en Conocoto.

En 1971 luego de Conocoto, por el peso de la edad y una enfermedad en el pulmón, pasó a otro exilio: el Asilo de Ancianos Corazón de María en donde murió en enero de 1984.

Anita Bermeo fue enterrada en el cementerio del Batán y su tumba es visitada por muy pocos porque no están enterados o porque quieren imaginársela aún presente en calles y plazas.

La Torera al ser la más célebre nómada urbana, encarna el deseo de fuga y la libertad al fin ganada a una ciudad que fuera enclaustrante e inmovilizadora.

La Torera pasó de representar al iluso deseo de las clases populares por formar parte de la aristocracia, a la burla ridiculización que el pueblo supo realizar de esa misma élite, una vez que algunos de sus hijos vivieron y tomaron conciencia de la imposibilidad de tal acceso por el carácter cerrado y segregacionista de la alcurnia.

La aristocracia de Quito en venganza por el desnudamiento de que fue objeto por la Tortera, planeó –y acaso consiguió- quitarle historia, realidad, cordura y convertirla en un fantasma, un ser semificticio, cuyas anécdotas no pueden ser tomadas como lecciones de rebeldía y cuyos testimonios no pueden servir como fuentes de información histórica.
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Los personajes del Quito de ayer no mueren, están impresos en la vida diaria del pueblo porque son de su propiedad exclusiva, son junto al 'taita pendejadas', 'al mapa pelotas', a la 'vira barcos', a la 'bella Siria' y al 'camaleón' fecunda damisela del ensueño nocturno el alma misma de la ciudad.

lunes 16 de marzo de 2009

EL MURCIELAGARIO

No existe nada más delicioso que el arte clandestino, ejecutado por esclavos del vicio y vagabundos errantes perdidos en un tiempo que no es suyo, extranjeros en un mundo que les ha parido desde lo más profundo de sus entrañas...nómadas.

Las palabras, los compases, los trazos fluyen mejor en una gentil posada cómplice de las patrañas que salen de las mentes abstractas que todos poseemos.

Ese fue el caso de El Murcielagario.

En el centro histórico de la equinoccial ciudad de Quito, según los relatos de los abuelos del barrio, en 1935 había una tienda en cuyo subsuelo funcionaba, en la clandestinidad, la cantina El Murcielagario. Para ingresar había una clave. "Comandante" decían los visitantes y enseguida se abría la puerta.

La generación de los poetas y bohemios de los años 30 y 40 visitaban “El Murcielagario”, la trastienda de la última casa de la segunda cuadra en la Morales y Venezuela. Tras la fachada de una tienda de mala muerte se escondía un burdel clandestino subsidiado por el Comandante Antonio Alomia.

Aquí se reunían poetas, bohemios y músicos para intercambiar versos e historias, dice Cristóbal Carvajal, quiteño de cepa y actual propietario de esa casa. Los versos del pasillo, "Esta guitarra vieja" compuestos por Hugo Moncayo en 1936, nacieron allí.

Y esa es sólo una de las tantas vivencias que talvez ya descansan apolilladas en la mente de los ancianos.


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Un monte Parnaso incrustado en el corazón de los Andes

lunes 9 de marzo de 2009

FREAKS La Parada de los Monstruos

La extrañeza en nuestro mundo no es vista como un punto a favor y menos aun como una virtud. Al parecer tod@s fuimos creados bajo el arquetipo de algún dios todopoderoso en cuyos planes jamás estuvieron incluidos los "errores de una naturaleza" aparentemente perfecta.

No creo que exista ningún filme que retrate de mejor manera esta realidad (incómoda para unos tantos) que la obra maestra del gran Tod Browning: "Freaks", presentada al público en el año de 1932.

En 1931 dicho director había alcanzado un gran éxito con Drácula. Decidió volver a la Metro Goldwyn Meyer, en donde su amigo Harry Earles, un enano alemán, le sugirió la idea de adaptar el cuento de Tod Robbins, Espuelas ("Spurs"), en dónde se trata la venganza que un enano, artista de circo, toma sobre la trapecista que le intentó burlar, casándose con él para robarle.

La película que en su tiempo causó sensación y que en la actualidad, apenas puede verse en alguna filmoteca, aunque tuvo mucha oposición por parte de los directivos de la Metro. Según ellos, nunca se había filmado algo tan horrible, pero al fin pudo llevarse a cabo. Su amigo interpretó el papel de Hans, el enano, y Tod Browning amplió el número de intérpretes que desfilarían en la pantalla hasta que se convierten en los verdaderos protagonistas, simplemente mostrando en escenas cotidianas su forma de vivir. Durante muchos años esta película estuvo prohibida en el Reino Unido, y las reposiciones desde que al poco de estrenarse se pudieron ver fueron muy escasas incluso en Estados Unidos.

Hoy es un clásico de culto, pero en su tiempo, Freaks fue considerada demasiado horripilante y el público obligó a que fuera retirada de las pantallas. La película fue interpretada por personas con deformidades reales. No se utilizaron efectos especiales de maquillaje, excepto en una breve escena al final de la película. Esta versión cinematográfica de Espuelas, toma de su argumento original tan solo la relación entre Hans y la trapecista, centrándose más en el ambiente que rodea a los personajes principales. La historia de la caída y venganza del enano burlado está mezclada por la vida de sus compañeros de circo hasta convertirse en el verdadero argumento de la película mostrando su vida interior y sus relaciones con los demás.

Es destacable la figura de grupo que intenta reflejar el director en las relaciones internas de los "fenómenos de circo", que forma el verdadero trasfondo de la película: al principio explican que tienen un código que consiste en que el dañar a uno se dañará a todos los demás. En la escena de la boda los "Freaks" aceptan a la trapecista en su círculo interno: se convierte en "uno de los nuestros".

Cuando se dan cuenta del engaño hacia su compañero Hans, su venganza hará literal ese título. Y esta parte es la única justificación de la calificación de esta película como perteneciente al género de terror.


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Condeno categóricamente cualquier tipo de discriminación hacia los que son diferentes pero igualmente capaces que los que nos denominamos "normales" en soberbio alardeo.

¡Qué las arenas del tiempo jamás cubran insolentes la memoria de aquell@s artistas de lo grotesco!

lunes 2 de marzo de 2009

Theatre du Grand Guignol

El cine de terror como hoy lo conocemos, en especial el subgénero GORE, no sería lo que es si no fuera por la rica influencia del Theatre du Grand Guignol francés.

Fue gracias a las representaciones de esta compañía de teatro (en un inicio de variedades) que el mundo cinematográfico pudo incluir en sus producciones segmentos realmente atemorizantes basados en la tortura, amputaciones y asesinatos.

Son de elogiar también los excelentes efectos visuales que se creaban con el fin de causar el mayor miedo posible en los asistentes alas obras.

Conozcamos un poco más acerca de este teatro del horror...

En la calle Chapetal de Paris hay un edificio con ángeles pintados en el techo y diseños góticos en sus puertas, y que fue un convento profanado durante la Revolución Francesa. El 13 de Abril de 1897 Oscar Metenier, un empresario de variedades, compro aquel inmueble y fundo ahí el Theatre du Grand Guignol. Su intención era aterrorizar al público con un programa de ocho obras cortas sobre torturas, asesinatos horrendos y violaciones.

El teatro del Grand Guignol cerraría sus puertas sesenticinco años después, persistiendo su espíritu en homenajes, filmes, y en la memoria de aquellos que tuvieron el retorcido placer de presenciar aquel arte. Su fundador: un tal Oscar Méténier, ex secretario privado del comisionado de la policía de París, y admirador de Émile Zola, abanderado del Naturalismo literario. Con el tiempo, el empresario Max Maury se haría cargo del teatro (luego de la misteriosa desaparición de Méténier), y con la colaboración del Príncipe del Terror, el libretista, André de Lorde, el Grand Guignol alcanzaría su cima y renombre internacional.

El lugar tenía un aforo de unos 280 puestos, y un pequeño tablado, sobre el que se dramatizaban historias muy cortas que provocaban sin duda una traumatizante impresión en los presentes. En una noche, se llevaban a cabo hasta cinco representaciones, y su éxito se medía por la cantidad de asistentes desmayados. Para los "efectos especiales" se utilizaban ojos de animales, visceras, sangre falsa, materiales varios con aspecto de piel humana, y una serie de instrumentos trucados e ingeniosos, como cuchillos con hoja retráctil.

Las historias eran tomadas de la vida real, inspiradas en el ya mencionado Naturalismo literario, pero exageradas en el morbo. Una de ellas: una mujer es injustamente internada en un asilo; durante la noche, las reclusas orates se van hasta su cama, la inmovilizan, le sacan los ojos y le echan agua hirviendo en el rostro.

El Naturalismo, entendido de un modo simplista, mostraba lo más feo y desagradable del hombre, su parte más animal.

El teatro del Grand Guignol llevaba al extremo los postulados del Naturalismo, quizás más por un interés comercial que científico. Lo que sí es cierto, es que su huella de truculencia y sangre falsa ha perdurado en los ámbitos artístico y comercial.Clive Barker, George Romero, Russ Meyer, Peter Jackson (conocido ahora por El Señor de los Anillos, pero autor de filmes gore en su inicios), Roger Corman, John Carpenter, los hermanos Argento, Tobe Hopper, Stanley Kubrick, Stephen King, Dalí, Buñuel, entre otros.

Paula Maxa, narró en sus memorias como el público chillaba histérico cuando un actor simulaba sacarle un ojo a una joven. Maxa contó también que, durante su sangrienta carrera, fue "asesinada" 10,000 veces y de 6,000 maneras diferentes.

En cada representación había decenas de personas afectadas por desmayos y lipotimias, y en los descansos se abrían las puertas y ventanas, para que el aire fresco ayudara a los más impresionados a recuperar el sentido. Según el historiador Mel Gordon, inicialmente, el público que acudía a este espectáculo era "el mismo que antes se divertía en los teatros de cera y las ferias de fenómenos humanos". Pero su fama acabo atrayendo a un auditorio de gente burguesa y sofisticada, ansiosa de emociones fuertes. Llegó un momento en que nadie iba a París sin asistir a una representación del Theatre du Grand Guignol; y entre sus visitantes los hubo tan ilustres como los reyes de Grecia, el sultán de Marruecos y el joven Ho Chi Minh.

Aunque el éxito de la compañía traspaso las fronteras de Francia, para convertirse en una franquicia del horror con sucursales en Nueva York y Londres, el teatro cerró en 1964 por la competencia de un enemigo que resulto imbatible: el cine.


***

Para bien o para mal la influencia del Grand Guignol en el cine de terror es indiscutible, a pesar de que ello haya representado el fin de una exitosa compañía de teatro mundialmente reconocida.

De todas maneras, ¡Muchas gracias por nutrir nuestras mentes!

Pueden encontrar más información acerca del Theatre du Grand Guignol en la página:

http://www.grandguignol.com/

miércoles 25 de febrero de 2009

¿QUIÉN ES EL LOCO? Sara Zambrano

Ilustración: Robert Barberena

Esperando el diagnóstico del médico, un hombre se acercó a nuestro auto y lo empezó a limpiar sin que se lo hubiésemos pedido, mas no le dimos importancia.

De repente el hombre comenzó a hablarnos como si nos conociera desde hace mucho tiempo. Mi madre algo asustada nos sugirió, a mi hermana y a mí, con una mirada que subiéramos los vidrios del auto como si adivinara algún tipo de amenaza en la actitud de aquel sujeto que decía palabras sin aparente sentido para nosotras.

Alguien había intentado golpearlo, decía él, tan sólo por intentar hacer su trabajo. Él se les había enfrentado, aunque terminaron por ir todos juntos a una discoteca. Una vez allí, uno de sus agresores desplegó sus alas desgarrando sus ropas de la misma manera en que una cabellera es arrancada.

Después de este relato, nos sugirió aprovechar de buena manera las virtudes de una planta que la Naturaleza nos ha obsequiado a tod@s; simplemente le disgustaba un poco su nombre: marihuana.

De la nada, apareció otra historia. Esta vez se refería a los brujos que venden la droga y de la manera en que a punta de palos logran corregir la postura de los jorobados…

Sin más, el hombre nos pidió que no nos asustáramos agregando que él sólo compartía otra de las tantas historias de la calle.

***
Tan sólo me arrepiento de no haber preguntado el nombre a este contador de historias que la calle ha parido en medio de la indolencia de gran parte de la gente que le arroja monedas creyendo que así le solucionarán la vida.


Pero detengámonos a pensar por un instante quién es el verdadero loco en esta historia: el pobre diablo que limpia autos y obsequia historias para ganarse la vida o l@s desenfrenad@s que corren por el mundo apresurados sin rumbo fijo guiados por turbios delirios de superioridad.

lunes 16 de febrero de 2009

EL SADISMO

Amar, odiar, tan sólo existe un pequeño paso entre ellos. Cuestionar las formas de amar acudiendo al odio y la perversión resulta ilógico en un mundo en el que todos gozamos de una manera perversa (y no por ello menos saludable) de los placeres del amor...

Los que se jactan de poseer una mente tan osada como para juzgar la naturaleza de otros podrían definir al sadismo como una característica de la naturaleza humana, difícil de identificar en otras especies, ampliamente documentada desde los orígenes de la especie mediante hallazgos antropológicos y obras históricas. Los actos de crueldad elaborada, excesiva o gratuita contra animales, personas y colectivos constituyen una constante en el desarrollo de la humanidad, frecuentemente justificados como exigencias de mantenimiento de la disciplina, del orden familiar, del orden social, del orden divino, de necesidades de sometimiento, ejemplarización o retribución, y consecuencia de los actos de guerra. Muchas sociedades han llegado a transformar algunos de estos actos de crueldad en festejos colectivos, como es el caso de la tauromaquia, el circo romano o la tortura y ejecución públicas de los condenados.

La realización de algunos de estos actos de crueldad constituye mandato divino en la mayoría de religiones, si bien en algunas ocasiones estas mismas religiones actuaban de limitadores de los mismos.


Por lo común, tales actos de crueldad se han considerado malignos cuando se realizan por razones exclusivamente personales y privadas, al margen de estos mecanismos de socialización o sacralización. Por ello, resulta complejo separar la crueldad y el sadismo de sus justificaciones sociales en tiempos anteriores a la Edad Moderna, y sólo nos han llegado noticias de sádicos históricos cuando el uso privado o el nivel y grado de elaboración de la crueldad llamaron la atención de sus contemporáneos. Este es el caso de personajes como Calígula, Tiberio, Gilles de Rais, Vlad Tepes, Murad IV, Isabel Báthory o Catalina la Grande. En general, la crueldad es indistinguible del ejercicio del poder familiar o social hasta la llegada del humanismo renacentista y la plasmación final de la singularidad individual en las declaraciones de derechos de la Edad Moderna; por tanto, resulta imposible hasta este momento diferenciar claramente el disfrute personal de la crueldad de los ejercicios de crueldad colectiva. Y quienes comenzaron a hacerlo, fueron rápidamente caracterizados como pervertidos o psicópatas.

lunes 9 de febrero de 2009

LA NOVIA DE FRANKENSTEIN

La extrañeza de unos puede resultar chocante para los que mantienen sus mentes dentro de aquel capullo que es la cotidianidad.

El ser humano es tan absurdo que rechaza la diferencia pues amenaza lo que hasta entonces creía correcto, posible o normal dentro de los estándares que la naturaleza ya se ha encargado de fijar para hacer nuestras existencias mucho más sencillas.

Ese es el caso de la genial obra de arte de James Whale, me refiero a la película de 1935 "The Bride of Frankenstein"; nombre con el que fue producida esta continuación del film "El Docotor Frankenstein" de 1931.

Los escenarios escalofriantes y las ocurrencias un tanto oscuras de los personajes de la película hacen que la atención no se pierda ni por un sólo instante.

La magnífica actuación de Boris Karloff (Una vez más) se ve complementada por la mística y misteriosa belleza de Elsa Lanchester quien interpreta a la confundida autómata al mismo tiempo que logra representar de forma magistral a la creadora de la obra literaria que sirvió de modelo para la creación de los filmes, Mary Shelley.

La trama se muestra desgarradora, pues el monstruo jamás consigue la aceptación de su creador y menos aun de la amante que tan anciosamente anhelaba. Ahora el monstruo posee una consciencia que le permite percibir de manera más clara e hiriente el rechazo de todo aquel que atine a cruzarse por su camino.


Quizás más de uno nos veamos reflejados en la triste imagen del ser que se encontró con el repudio de su creador.

Recomendable sin lugar a dudas...

lunes 2 de febrero de 2009

EL MARQUES DE SADE Todo es bueno cuando es excesivo.

A lo largo de la historia del arte; de la literatura para ser más exactos, poc@s han sido muy pocos quienes han optado por exponer de manera tan detallada y descriptiva la naturaleza dionisíaca del ser humano. Es en este aspecto que el Marqués de Sade logró destacarse de forma notable a pesar de las restricciones de una época en la cual los cambios en las esferas políticas, sociales, económicas, entre otros, estaban a la orden del día.



El Marqués de Sade no sólo logró consolidarse como un gran escritor de novelas consideradas pornográficas, sino también como el versátil creador de obras narrativas de excelente calidad tales como novelas, fábulas y relaatos cortos en los que se veían reflejados los valores y perfiles de la sociedad francesa del siglo XVIII.

Para comprender un tanto más a este artífice de los deseos más carnales es preciso conocer algo de su historia y de la convulsionada época en la que vivió.

Donatien Alphonse François nació el 2 de junio de 1740 en París en una familia de la antigua nobleza provenzal, vinculada a la rama menor de la casa de Borbón. Inicia su educación en el monasterio benedictino de Saint-Léger d’Ebreuil y posteriormente en el colegio Jesuita d’Harcourt de París, en donde un sacerdote y tío suyo, el abad Jacques-Franois de Sade, será su tutor.

Con diez años es observador de las contínuas orgías que éste celebra en su castillo de Saumane.

Ingresó en la escuela de Caballería de la Guardia Real y participó en la guerra de los Siete Años con el Ejército francés. Cuando cuenta veintitrés años, abandona el ejército y contrae matrimonio “por conveniencia” con Renée Pélagie Cordier de Launay de Montreuil, la hija de un nuevo rico, de París. Su suegra, la señora de Montreuil, será a partir de ahora su peor enemiga. Su esposa lo acompañó en sus frecuentes huidas de la ley, escribiéndole y visitándole frecuentemente en las diferentes cárceles en las que estuvo recluido. Su primera detención por el delito de actos de perversión sexual en una mujer, blasfemias y profanación de la imagen de Jesucristo, se produce tan sólo cuatro meses después de su boda, y es desterrado, por su condición de noble, a las tierras que tiene su familia en la Provenza. Posteriormente se convierte en cliente asíduo de los prostíbulos de Madame Brissault y de Mme. Hecquet y de los teatros del gran París, en los cuales se provee de sucesivas amantes: la jeune Dorville; la petite Le Roy danzarina de la Academia Real de Música; y jóvenes cómicas del Teatro Italiano: Mademoiselle Colet y otras.

En 1772, varias prostitutas lo acusan de haberlas fustigado, y sodomizado. En el juicio se le condena a muerte, y a que su cuerpo sea quemado y sus cenizas esparcidas al viento. Escapó entonces a Italia acompañado de su cuñada, Mademoiselle Anne-Prospère de Launay, abadesa de un convento. Por influencia de su suegra son apresados y encarcelados en la fortaleza de Miolans, de la que se fuga. En muchos de sus escritos, como Justina o los infortunios de la virtud (1791), Juliette o las prosperidades del vicio (1796), Los ciento veinte días de Sodoma (publicada póstumamente) y La filosofía en el tocador (1795), describe con detalle sus diversas prácticas sexuales. Así, el término sadismo se emplea en psiquiatría para designar el tipo de neurosis que consiste en obtener placer sexual infligiendo dolor a otros.


Su filosofía considera naturales tanto los actos criminales como las desviaciones sexuales. Sus obras fueron calificadas de obscenas y hasta bien entrado el siglo XX estuvo prohibida su publicación. Encarcelado en Vincennes. pasó seis años en esta prisión, después se le trasladó a la Bastilla y en 1789 al hospital psiquiátrico de Charenton. Abandonó el hospital en 1790 pero fue detenido otra vez en 1801. Rodó de prisión en prisión y en 1803 ingresó otra vez en Charenton, donde murió en 1814. Pidió ser enterrado anónimamente en el bosque para que "todos los vestigios de mi tumba desaparecieran de la faz de la tierra, así como también espero que todo vestigio de mi memoria sea borrado de la memoria del hombre."

***

Emitir un juicio moral sobre la obra de Sade sería minimizar la obra de un hombre que se atrevió a ver más allá de los herrumbrosos y polvorientos principios de una sociedad que se ahogaba en su propia podredumbre sin admitirlo y menos aún hacerlo público.

martes 27 de enero de 2009

INDIFERENCIA Sara Zambrano

Imagen: "Calavera Tapatía", Manuel Manilla


Centenares de veces pretendía la doncella
igualar a la Venus de Botticelli o quizás
la de Velásquez; da igual. Su consorte,
un vivo muriente, deambulaba incesante
por los vericuetos de la milenaria ciudad
al mismo tiempo que su amante iba
tras él cual si fuera la sombra que
amorosamente besaba sus pasos ligeros.


Palabras, miradas, sonrisas, todo resultaba
inútil en el afán de la doncella por ser
correspondida. Ya era muy tarde; el cruel
veneno de la indiferencia había fulminado
sin remedio los últimos residuos de amor,
fe y esperanza que sobrevivían en el
corazón de la doncella que, desde entonces
vaga enajenada por los viejos cementerios
entonando lúgubres pasillos a los queridos
muertos, Ángeles y demonios.


viernes 23 de enero de 2009

CADAVER P.R.A.N.K

CADAVER P.R.A.N.K.; Proyecto electromusical, solista que nace en Enero de 2006. Su mentor, Daniel E. Gómez, tiene formación académica como violoncellista y compositor musical, sin embargo, la estética de la música electrónica siempre estuvo entre sus intereses. Cadáver P.r.a.n.k. aspira a innovar mediante la fusión de tendencias y estilos relacionados con la música electrónica. El proyecto combina los fundamentos del synth- pop con estructuras más ásperas (EBM old- school), beats techno-influenciados y líricas generalmente torcidas, y de naturaleza pesimista o explícita.

El pasado día 23 de enero tuve la interesante y muy agradable oportunidad de realizar una entrevista vía correo eléctrónico a este interesante dúo. He aquí sus impresiones:



L.C.R: ¿Qué los motivó a apostarle a una corriente musical tan poco difundida en el país, exactamente en Quito?

C.P: Lo que motivo al aparecimiento del proyecto electro-musical de CADAVER P.R.A.N.K. se puede explicar desde una perspectiva “intimista” que no tiene en cuenta falsas modas o estereotipos foráneos. Todo empieza así; El mentor del proyecto Daniel E. Gómez inició sus estudios musicales a los 9 años de edad en la especialidad de violoncello, muchos fueron los años que estuvo completamente inmerso en el “hábitat” de la llamada música académica. Con el pasar del tiempo, y ante la exposición a diversas expresiones musicales, se decide por infringir las normas puristas de la música tradicional que descalifica a los procesos virtuales de la electrónica como arte y, consecuentemente, como expresión musical. Es decir, el acercamiento con la música electrónica se da como una respuesta psicológica antagónica a los preceptos que formaron el sentido musical del mentor del proyecto. La prohibición y la mala reputación de la electrónica en los ámbitos académicos motivaron al mentor del proyecto a tratar de encontrar una “humanización” artística en este tipo de música que, a la vista de muchos músicos, es imposible.


L.C.R: ¿Quién está a cargo de los procesos de composición (tanto musical como lírica) de sus temas?

C.P: Gran parte del proceso de composición tanto musical como lírica está a cargo de Daniel Gómez. Sin embargo, cada uno de los músicos que han pasado por la banda han aportado significativamente, involucrándose de manera pasiva con la composición y arreglos, especialmente en presentaciones en vivo. Actualmente, se cuenta con la valiosa colaboración de Elizabeth Gortaire en los controladores midi.


L.C.R: ¿Podrías comentar algunas de las temáticas que tratan?

C.P: Para explicar la temática de nuestras canciones es necesario entender el nombre de CADAVER P.R.A.N.K. . En principio nos referimos otra vez al mentor del proyecto que como profesión paralela a la música es psicólogo clínico. Él ha “utilizado” ilegalmente los datos extraídos de distintas fichas psicológicas de personas con diversos trastornos mentales (en su mayoría esquizofrénicos) para tratar de representar armónicamente la experiencia de vida de estos pacientes que contemplan el mundo desde una perspectiva que nos resulta bizarra y ambigua. El resultado final es un teatro de oscuridad y demencia que emula la mal llamada enajenación en sus excelsos y diversos estados. Con este antecedente se aborda las siglas P.R.A.N.K. que en realidad son las primeras letras de los nombres de pacientes enfermos mentales que murieron por suicidio ante distintas circunstancias de vida. CADAVER P.R.A.N.K. es entonces, una simbolización y culto a la muerte de lo no socialmente aceptable, es decir, la locura. Y de esto se nutren nuestras canciones.


L.C.R: ¿Cuál fue su primer acercamiento a la escena electro?

C.P: Bueno, en principio, no creemos que exista una verdadera escena electro en nuestro medio., tal vez dentro de un par de años. Nuestra primera aparición en vivo se dio en el bar Aguijón (Quito) hace dos años aproximadamente.


L.C.R: ¿Qué grado de importancia tienen las cuestiones de estética al momento de realizar sus presentaciones?

C.P: Creemos que la estética visual y musical definitivamente deben ser inherentes a la música electrónica en todos sus subgéneros ya que se complementan para formar un ambiente de virtualización musical. Particularmente, en nuestras presentaciones no hemos podido manejar el aspecto visual a la perfección por diversos motivos que a veces están fuera de muestras manos y les compete más a los organizadores de eventos. En ciertas ocasiones los lugares no ofrecen las condiciones apropiadas para un verdadero show visual o los servicios de iluminación son escasos, o para otro tipo de ambiente musical. De todas maneras apoyamos y valoramos a aquellas personas que hacen un esfuerzo por difundir el electro aun cuando no aseguran un lugar lleno.


L.C.R: Además de la organización de eventos y la difusión musical, qué consideran necesario para que el movimiento gótico, concretamente el ebm en todas sus tendencias, pueda despegar definitivamente?

C.P: Concretamente, CADAVER P.R.A.N.K. no sigue los preceptos de la filosofía gótica, y menos aún la significación que se le da al gótico en nuestro medio (su vinculación exclusiva con el heavy metal). Sin embargo creemos que cualquier cultura o subcultura urbana, ideológica, incluyendo a la electrónica oscura, debe encargarse de legitimizar y profesionalizar sus expresiones artísticas para que mediante la perfección se obtenga el respeto y la apertura mediática necesaria que convertiría a un tenue grupo de gente vestida de negro en un verdadero movimiento filosófico de seres pensantes y productivos con todos los servicios a su alcance como sucede en el viejo continente.


L.C.R: Consideran ustedes que el hecho de utilizar máquinas al momento de crear música es una severa trangresión a las relaciones habituales de persona a persona?

C.P: Como se mencionó anteriormente la música electrónica siempre ha tenido una fama de simplista y ha sido descalificada como arte por muchos puristas de la música académica. Nosotros creemos que la misión de toda persona vinculada con el electro en todas sus formas es hallar el dinamismo armónico, melódico y rítmico para lograr la expresividad necesaria, constituyéndose como un canal más de expresión artística y dejando de ser una transgresión. Dicha transgresión “deshumanizada” se da cuando la electrónica es incapaz de transmitir estímulos cognitivos y provocar sentimientos. Con respecto a esto se puede decir que todo depende de cómo y con qué nivel de creatividad se programen los sonidos virtuales. Muchos artistas del entorno electrónico son capaces de comunicar una amplísima gama de percepciones prescindiendo totalmente de instrumentos reales: KRAFTWERK o DEPECHE MODE por citar algunos.


L.C.R: ¿Hace este hecho que su música sea mucho más agresiva que otros géneros?

C.P: La agresividad es un sentimiento subjetivo y está sujeta a cómo el oyente percibe nuestra música. Para mucha gente, la electrónica oscura es agresiva y depravada, esto generalmente se debe a la contundencia de los golpes de bombo (beats) que generalmente fluctúan en un rango de 125 a 150 bpm. Dicho tempo altera neurológicamente el flujo químico cerebral lo cual puede provocar alteraciones del sistema límbico (emociones) y consecuentemente, percepción de agresividad. Muchos músicos componen a este tempo intencionalmente para lograr esta misma percepción en la audiencia.


L.C.R: Afortunadamente existimos muchos locos sueltos en el mundo rompiendo la corteza de la superficialidad sobretodo en el arte y en su caso la música. ¿Qué opinan de ello?

C.P: En realidad, si tenemos la conciencia que existimos no estamos del todo locos, lo que sucede es que el comportamiento inteligente tiende a no ser socialmente aceptable. Esto estimula el quebrantamiento de reglas y preceptos.



L.C.R: Algún comentario final?

C.P: Muchas gracias por tan agradable entrevista y por el interés en CADAVER P.R.A.N.K.


Quisiera agradecer sinceramente a CADAVER P.R.A.N.K por su dedicación y tiempo para esta entrevista que, a más de mejorar el blog que apenas se está construyendo, merecen reconocimiento por su inmersión en un tipo de expresión por muchos repudiada pero por otros tantos impulsada. GRACIAS.


Para escuchar y conocer algo ás de CADAVER P.R.A.N.K, visiten:

sábado 10 de enero de 2009

KLAUS NOMI Póstumo Fantasma de la Ópera




Klaus Nomi es definitivamente un personaje extraño, pero al mismo tiempo fascinante por su innovadora propuesta musical y escénica además de su entrega a la defensa (a través de su música) de la comunidad gay.
...

Klaus Sperber mejor conocido como Klaus Nomi, era un contratenor de origen alemán, vastamente reconocido por sus únicas e inusuales interpretaciones vocales y por fusionar la ópera con el rock y el pop.

Nomi ha sido recordado por sus extravagantes actuaciones teatrales, su maquillaje recargado, su extraño vestuario futurista, y su peinado único y estilizado que exageraba las entradas de su cabello. Especialmente buscaba dar la imagen de que era un extraterrestre que había caído de una galaxia más glamorosa para cantar a través de su condición de falsetto.

Sus composiciones musicales eran singulares, y abarcaban desde interpretaciones en sintetizador de la ópera clásica y hasta varios covers de canciones de pop como “El Twist” de Chubby Checker y “Lightning Strikes” de Lou Christie.

Klaus Nomi nació el 24 de enero, de 1944 en la ciudad de Immenstadt im Allgäu, en el estado de Baviera, en Alemania, bajo el nombre de Klaus Sperber. Provenía de una familia de artistas, y desde temprana edad demostró pasión por la ópera. Auspiciado con las pequeñas monedas que le entregaba su abuela, el pequeño Klaus, a diferencia del resto de los niños de post guerra, en vez de comprar dulces juntaba cada moneda para comprar discos de su gran pasión, la ópera.

En los años 1960, durante su juventud trabajó como ayudante en la Ópera Alemana de Berlín, ubicada en el oeste de la ciudad. Después de cada presentación de ópera, Klaus cantaba al personal de mantenimiento música de Maria Callas y Elvis Presley, en el escenario ubicado enfrente del telón de seguridad. En éste mismo periodo también interpretó arias de óperas en un club nocturno gay de Berlín denominado Kleist Casino.

A mediados de 1970, Nomi se trasladó a la ciudad de Nueva York, y se involucró en el ambiente artístico del vecindario East Village. Adicionalmente, decidió cambiar su nombre artístico a Nomi, un anagrama proveniente de la palabra "Omni", que era el título de su revista favorita que trataba de extraterrestres.

Según un documental titulado "The Nomi Song" (2004), realizado por el productor Andrew Horn, Nomi se inscribió en lecciones de canto con la artista Ira Siff y subsistía mediante un trabajo de chef de repostería.

En 1972, Nomi se unió a la compañía de teatro de Charles Ludlam, y apareció en una producción satírica de tipo afeminado basada en la ópera titulada “El Oro del Rhin" (en alemán: "Das Rheingold") perteneciente al compositor Richard Wagner. En esta presentación, Nomi desarrolló por primera vez la imagen escénica de extraterrestre.
Con el apoyo de la discográfica RCA produjo su primer álbum titulado Klaus Nomi, en 1981. Éste disco incluye su primer éxito “Total eclipse”, “The Cold Song” y “Mon coeur s’ouvre a ta voix”, entre otras. Nomi alcanzó gran popularidad, y realizó una gira musical por diversos países europeos y norteamérica. Además realizó diversos videos, como el documental, “Urgh! A Music War” (1981), que trata sobre el rock, y donde se exhibe la presentación en vivo de Nomi, “Total Eclipse”. Nomi, en su canción “Total eclipse” hace diversas referencias a la obra Sansón de Handel. Principalmente en el oratorio de Handel, Sansón es prisionero de los filisteos, y Nomi en su canción sustituye su propio destino al de Sansón. Más claro, para Nomi los filisteos equivalen a la sociedad heterosexual que rechaza a los homosexuales.

Tuvo una corta trayectoria musical, falleciendo el 6 de agosto de 1983 a consecuencia del SIDA, convirtiéndose en uno de los primeros famosos en morir a causa de la enfermedad, en una época en donde se creía que era la plaga de la comunidad gay y se conocía muy poca información sobre esta. Nomi murió a los 39 años, abandonado durante sus últimos días de vida por la mayoría de sus amistades cercanas y asociados. Sus cenizas fueron esparcidas en Nueva York, de acuerdo a su expreso deseo.

El impacto que Klaus Nomi provocó en la comunidad artística del mundo ha sido muy amplio y difícil de borrar, pues ha sido sujeto de numerosos homenajes en la obra de quienes han valorado el trabajo de este extraño alienígena venido del espacio o talvéz de algún estrecho rincón de nuestra mente.

lunes 5 de enero de 2009

MARIANGULA

Cuento Ecuatoriano

Vivía en Ibarra una muchacha de nombre Mariangula. Era la mayor de tres hijos y por su carácter recio y mando como de patrón, sus labores de la casa se limitaban a impartir órdenes a sus hermanos. Le gustaba trepar árboles o jugar con los chicos del vecindario. No se llevaba con muchachas y nunca ponía un pie en la cocina. Era lo que la gente llama una carishina (del quichua cari=varón + shina=de ese modo. Mujer que se comporta como un hombre). Además pasaba la mayor parte del día sola y a su antojo.

Sus progenitores trabajaban duro, la madre vendía tripas con puzún (del quichua vientre, en especial el estómago mayor de los vacunos) en un puesto del parque La Merced y el padre arreglaba zapatos en un pequeño taller ubicado por el mismo sector.

En una ocasión, antes de salir a las ventas en el famoso parque en Ibarra por sus puestos de comida al atardecer, la madre encargó a Mariangula que fuera al camal a comprar las tripas y el puzún para el próximo día, como a Mariangula le encantaba andar en la calle, la mujer no debió repetir dos veces la orden. Su hija guardó el dinero y salió de inmediato a cumplir con el mandado, loca de alegría.

Mariangula encontró en una esquina a varios amigos entretenidos en la plancha (juego que consiste en poner monedas en el un círculo dibujado en el suelo y sacarlas con el golpe de otra moneda) y, sin pensarlo, se metió a jugar con el dinero de su madre. Perdió las primeras partidas pero, confiada en recuperarse, continuó jugando. Cuando se dio cuenta, no le quedaba ni un centavo. Preocupada, se dirigió al camal a ver si las carniceras que la conocían, pues solía acompañar a su madre, le fiaban las tripas. Se encaminó hacia allá. Tomó la Juan Montalvo y llegó al sector de San Francisco, por el cementerio. Allí se topó con un cortejo fúnebre. Ni bien vio pasar el ataúd, le picó la curiosidad por saber quién era el fallecido y entró en el camposanto, mezclada entre los acompañantes. A los cinco minutos supo que estaban sepultando a una mujer. Sin embargo, no satisfecha su inquietud, se quedó hasta que metieron el féretro en un sepulcro, a ras de suelo, e instalaron una tapa y la revistieron con cemento en los filos. Cuando no había más que ver, salió del lugar.

Al llegar al camal inventó la historia de que se le había caído el dinero, las vendedoras no le creyeron y mucho menos quisieron fiarle. Por el contrario, un carnicero se burló de ella: SI QUIERES LIBRARTE DE UNA BUENA PALIZA, SERÁ MEJOR QUE CABES UNA TUMBA Y ROBES LAS TRIPAS DE UN MUERTO.

La muchacha tomó el camino de regreso, angustiada por el castigo que le esperaba. Volvió a pasar por el cementerio y al acordarse de la difunta, se le ocurrió que las palabras del carnicero no eran del todo descabelladas. Se dirigió entonces a su casa. Una vez allí, tomó el cuchillo de zapatero de su padre y un martillo de punta. Oculto todo en una bolsa pequeña, se fue al camposanto provista de estas cosas.

A las seis escuchó el silbato del panteonero alertando a algún visitante que era hora de salir; cinco minutos después, las puertas del cementerio se cerraron. Mariangula abandonó su escondite y se encaminó a la tumba.

Conseguir lo que necesitaba no fue fácil, pero tampoco resultó tarea imposible.

Valiéndose del martillo, removió el cemento fresco y desprendió la tapa del sepulcro; extrajo el féretro que estaba a ras de suelo y se puso a cortar con el cuchillo. El tiempo transcurría. Concluida la tarea, guardó todo en la bolsa, volvió a meter el féretro y colocó la tapa.

Se apresuró a marcharse pues empezaba a oscurecer. Tampoco le costó mucho trabajo salir del cementerio; trepó por un árbol pegado a una tapia y saltó a la calle.

Llegó a su casa pasadas las siete de la noche. Entró con temor de que su padre ya hubiera regresado y al verla con las herramientas empezara a hacer preguntas. Dio un respirote alivio cuando no lo halló. Devolvió las cosas, alejó a sus hermanos de la cocina y se puso a cortar las tripas antes de que llegara su madre y notara la forma extraña.

Cuando regresaron sus progenitores la encontraron atareada en las labores de la cocina. Les invadió una profunda satisfacción. Cansada del trajinar de la tarde, Mariangula se durmió temprano. Por lo general tenía el sueño pesado, pero aquella noche, más o menos a las doce, la despertaron los ladridos de los perros del vecindario que parecían aullar espantados. La muchacha se tapó la cabeza con la almohada a fin de volver a conciliar el sueño. Resultaba imposible dormir con esos aullidos que cada vez se hacían más fuertes como si a quien ladraran estuviera más cerca de su casa.

Un tanto nerviosa, intentó despertar a un hermano pequeño que tenía su cama al lado, mas él dormía tan profundamente que ni siquiera se movió. Los perros aullaban cada vez más cerca, tan cerca que de pronto se oye­ron unos pasos que caminaban por el patio de la casa. Asustada, llamó en voz baja a su padre pero todo estaba oscuro y nadie de la familia, excepto ella, parecía escuchar los pa­sos. Oyó luego que la puerta de calle se abría y que alguien entraba. Mariangula se sentía sobrecogida de terror y tenía los pelos de pun­ta. Quería gritar con todas sus fuerzas pero la voz no le salía.

Hubo un silencio siniestro que le heló la sangre; a continuación, escuchó una voz pa­vorosa que decía: Marianguuuuuula..., devuélve­me las tripas y el puzún que te robaste de mi santa sepultura.

Creyó morirse. Con desesperación, se ta­pó con las cobijas y se puso a rezar a fin de ahuyentar a aquel ser de ultratumba, que se aproximaba a la cama. La muchacha sudaba frío, y sintió que una mano empezó a jalar las cobijas al tiempo que la voz insistía: Marianguuuula..., devuélveme las tripas y el puzún que te robaste de mi santa sepultura.

De repente, las mantas volaron de la cama de un solo jalón. La muchacha, con el corazón a punto de reventársele, vio que la muerta, cercenada el estómago y los intestinos la miraba con furia mientras repetía: Marianguuuula..., Mariangula, devuélveme las tri­pas y el puzún que te robaste de mi santa sepultu­ra. Esas fueron las últimas palabras que escu­chó antes de que el corazón se le paralizara de horror.

Al siguiente día los padres hallaron el cuer­po de su hija sin vida. Mostraba en el rostro una expresión indescriptible de espanto. Además tenía el vientre destrozado. Alguien le arrancó los intestinos y se los llevó.


Texto: Mario Conde (Cuentos Ecuatorianos de Aparecidos)
Ilustración: Gabriel Karolys

lunes 22 de diciembre de 2008

ELECTROTERROR Oscuro Futuro


El pasado sábado 06 de diciembre se llevó a cabo un evento poco convencional en la ciudad de Quito en el día de su infasta fundación española; se trataba del ELECTROTERROR.

EBM, Darkwave, Death Rock, Post Punk y Drum n Bass fueron los géneros expuestos en una tarde y noche de terror.
Uno a uno iban llegando los adeptos de estos lúgubres estilos en medio de estéticas que por un momento evocaban aquellos grandes festivales europeos.

Llegada la hora, se presentó el filme de horror clásico "El Gabinete del Doctor Caligari" que, sumergió a más de uno en los oníricos ambientes de paisajes imposibles y crímenes horripilantes.

Terminada la proyección de dicha joya del cine expresionista alemán, las primeras agrupaciones se alistaban para estremecer a los presentes con sus desgarradoras melodías.

VIRGEN 2000 hizo su aparición en medio de los más estridentes ruidos que caracterizan a su noise experimental.


Había llegado el turno de HEMOPHILIA y sus beats siniestramente concebidos. El EBM se tomaría las mentes de los presentes en adelante. Con tintes apocalípticos y líricas existencialistas, estos electrovamps lograron impresionar al auditorio con su estética futurista.

COLD MINDS era la siguiente agrupación, en realidad compuesta por un sólo integrante. Golpes furiosos de percusión acompañados de tonadas electrónicas azotaban al público incesantemente. Cabe resaltar uno de los temas interpretados aquella noche, si bien no recuerdo su nombre en este momento, su mensaje (a pesar de no contar con líricas) antifascista satisfizo a más de uno.

Pasada la presentación de Cold Minds, LOS PUNTAS dieron inicio a un culto al terror clásico y al cine serie B con sus desgarradores riffs que me recordaban por un instante a Los Paralítikos de España y su propuesta Post Punk.

Por fin una de mis favoritas, LA CALLE MORGUE. Es sorprendente que en Ekuador existan bandas que le apuesten al Death Rock, pues dicha escena casi no ha cobrado fuerza principalmente en la ciudad capital. Temas diversos caracterizan a sus letras, existencialismo, muerte e incluso esoterismo, como fue evidente en su tema Hermes Trismegisto.

CADAVER P.R.A.N.K, un dúo de EBM capitalino hizo su aparición en medio de voces que recordaban a los grandes Nosferatu y beats al puro estilo de Dracul o Blutengel. Siniestro en realidad.
La noche llegaba a su fin con la presentación estelar de LA SOCIEDAD FUNERARIA (EBM) y DON CONEJO (Drum n Bass) que en medio de improvisaciones definitivamente extrañas y enfermas cerraban con broche de oro una jornada de terror y música en la equinoccial ciudad de Kitu.


Para escuchar las bandas, visita:




domingo 23 de noviembre de 2008

NOSFERATU Eine Symphonie Des Grauens


Este film vio la luz por primera vez en el año 1922, de la mano del genial director Friedrich Wilhelm Murnau.


La idea original de esta película se remonta al clásico de Bram Stocker: Drácula.


El artista que interpretó de manera magistral al conde Orlock, Max Schreck, logró capturar con exactitud el dramatismo del personaje central de la trama, su aspecto taciturno, sus movimientos siniestros, su mirada gélida y desalmada, en fin, consiguió inmiscuirse de lleno en el papel del vampiro clásico por excelencia.


Las inmediaciones en las que fue filmada la película nos remontan a los tenebrosos Cárpatos con su tétrico encanto y agresiva naturaleza.


El motivo por el cual los nombres del los personajes originales de la obra de Bram Stocker fueron cambiados es que la adaptación del texto nunca fue acreditada al momento de la realización del filme.


Definitivamente Nosferatu es una obra maestra de los inicios del cine, pero en especial, del cine clásico de terror.


Recomendable sin duda alguna.


Para ver el filme, visiten:

martes 11 de noviembre de 2008

ENCUENTRO EN DARK ABBEY Sara Zambrano

Los trágicos velos que envolvían las
enramadas crearon el ambiente ideal
que engalanaba presto la abadía
do los amantes se habrían de encontrar.

***

Esperaba el Conde impaciente
a que Eleonora hiciera su aparición;
cuanto anhelaba que ella de repente
irrumpiera en su sueño con devoción.

Un espléndido banquete tendría lugar
en las amplias salas de la abadía,
que envuelta en un luto singular
revestía sus paredes con melancolía.

Entretanto trasladábase la doncella
en un carruaje por negros corceles tirado,
entre bosques, abismos y tinieblas
que la Noche bendecía con su encanto.

La Luna iluminaba el bello rostro de Eleonora
que era blanco como las altas nieves
y dotaban a sus rojos labios de una luz sonora
que opacaba a los montes y su pedregoso relieve.

La impaciencia hizo presa del Conde
mientras éste una sonata entonaba
en el rústico piano que en cada acorde
de la boca del noble un suspiro arrancaba.

En Dark Abbey los vitrales retumbaban
con estrépito por las trágicas melodías;
incluso los ángeles los cielos surcaban
y en violenta retirada presurosos huían.

Las horribles y taciturnas sirvientas
serían cómplices de la macabra comunión
que uniría a ambos amantes en una cruenta
batalla contra la vida y perpetua salvación.

Por fin Eleonora hizo su arribo
a la enorme y tenebrosa abadía;
negros ropajes la dotaban de un brillo
cristalino y delicado como su alegría.

Su presencia amainó la impaciencia del Conde
que esperaba impotente a su amada
que iba acompañada por su oscura corte
tenuemente por estrellas iluminada.

Finalmente el encuentro ocurrió,
las miradas de ambos se fundieron en una
amalgama de lujuria, deseo y pasión.

Tras una fugaz tertulia,
el gran momento próximo estaba,
ahogarían por siempre toda su amargura
en la abadía que el monte coronaba.

Del fondo del averno
extrajeron los amantes el veneno
que pondría fin a su trágica vida:
cuna de espanto, dolor y agonía.

Un cáliz áureo albergó el elixir
que póstumos labios acariciaron;
embriagándose poco a poco de muerte
Eleonora y el Conde sus vidas truncaron.

***

En Dark Abbey yacen los amantes
que en un tibio abrazo se entregaron
a la fatalidad de un amor palpitante
que en la calidez de la muerte perpetuaron.

miércoles 5 de noviembre de 2008

EL AMOR Sara Zambrano



















El amor es una sombra que deambula
por los fríos pasillos de un hospital; el
amor es una audaz peste que infecta
de inexplicable locura a los inocentes
que creen en él; el amor es la lágrima
que se desliza por el rostro de una
madre cuyo hijo yace muerto entre sus
temblorosos brazos; el amor es las
alas que elevan hacia lo divino a los
mortales corazones; el amor es el
más puro elixir de vida eterna y luz;
pero es el amor al mismo tiempo: jugo
misterioso, veneno despiadado que
consume hasta los marfileños huesos
a la más centrada de las mentes humanas
que encuentran en él a feroces
bestias que les arrancan desde las
entrañas el enamorado corazón.

miércoles 29 de octubre de 2008

GONZALO BENITEZ El Angel De Luz


Carlos Gonzalo Benítez Gómez nació en Otavalo el 14 de enero de 1915. Junto con Luis Alberto 'Potolo' Valencia formó el dúo Benítez y Valencia, que se estrenó oficialmente el 18 de octubre de 1940. El inigualable dúo duró 30 años y desapareció con la muerte del 'Potolo', el 25 de octubre de 1970, cuatro días después de que sufriera un ataque durante una presentación en Riobamba.
En 1962, el presidente Carlos Julio Arosemena entregó a 'Los Potolos' la Condecoración Nacional en el grado de Caballeros. En 1987, León Febres Cordero le otorgó a Benítez la Condecoración Nacional en el grado de Oficial, y en 2001, Gustavo Noboa entregó a Benítez la misma distinción en grado de Gran Oficial.

'Soledad', 'Tus ojeras', 'Ojos Verdes', 'Vamos Linda', 'Ensueño', entre muchas otras, son sus canciones más destacadas.

¿Cómo se inició en la música?
Cuando estuve en la escuela 10 de Agosto formamos la estudiantina con un grupo de ocho muchachos. Un domingo, el profesor de música me preparó para hacer un homenaje a la madre. En el salón de actos había 200 o 300 madres... Con qué sentimiento estaría cantando ¡carajo!, que me puse a llorar y no terminé la canción, sobre todo viéndole a mi madre ahí... la gente lloró, agitó pañuelos blancos y aplaudió. A esa edad yo ya hice llorar...

En 1930 resolvió mi padre venir a Quito. A mí me dejó interno en el Juan Montalvo y entonces me hice conocer como músico y como cantante. En segundo año apareció Valencia, él en primer curso. Nos veíamos muy poco, hasta que uno de los compañeros y paisanos me dijo que uniéramos las voces. Él solo cantaba tangos de Carlos Gardel, pero en 1932 por primera vez quedó formado el dúo Benítez y Valencia.

¿Cómo se dio el proceso de consolidación del Dúo y del uso de la guitarra?

En mis años en el Juan Montalvo, oí una tarde que tocaban el bandolín. Era el que repartía la comida. Él me enseñó a tocar la guitarra para acompañarle. Cuando me gradué, en 1936, nos veíamos muy esporádicamente con Valencia, porque él era seminterno...

Ya en la universidad me quedé sin trabajo. Llegó el 5 de junio y por el Día del Liberalismo había fiestas y un partido de fútbol en El Arbolito. Eran las once de la mañana de un domingo cuando 'el pata'e mula' me rompió la pierna, doble fractura: tibia y peroné. Fui a parar en el Hospital Eugenio Espejo, y luego fui a mi tierra, sin empleo y roto la pierna. Me duró eso unos 3 o 4 meses. Hice todo lo posible para volver al Montalvo a pedir un carguito, antes me dieron... Cuando hicimos la primera asamblea de profesores, pregunté al rector dónde estaba trabajando el Valencia, y me dijo: '¿no sabrá que el 'Potolo' todavía está aquí, en cuarto curso?'... Apenas se iniciaron las clases le mandé a llamar...
Era 1939 cuando ya había formado Alma Nativa con Marco Tulio Hidrovo, el 'Pollo' Ortiz, el 'Pavo' Carrillo y el Gonzalo de Veintimilla. Nos habíamos hecho conocer como el dúo Benítez-Ortiz, y nos dio la oportunidad el almacén Read & Read para que grabáramos discos RCA Víctor, hicimos 45 canciones solo de música ecuatoriana con el 'Pollo', y ese año empecé a ganar dinero por la profesión de artista. Por grabación ganaba 30 sucres, entonces fue que el 'Pollito' Ortiz decidió dedicarse a la guitarra y me pidió que le dijera al 'Potolo' que hiciera el dúo conmigo (...) Ahí empezó la vida del dúo Benítez y Valencia".
¿Cuál es su posición frente a las reediciones que se han difundido de pasillos como Ángel de Luz?
(Juan Fernando) Velasco vino a verme. Fue mandado, porque el que ahora está apoyándole es el Alfredo Vera. Vinieron a tratar de conquistarme para que hiciera dúo con él, y presentarme en el Coliseo Rumiñahui (Todas las voces todas).
¿Qué le dijo usted?

¡No, pues! Yo admiro a la gente que sabe algo de música, pero en este caso... Yo le hice entender que no voy a hacer dúo con nadie (...) Mi idea para colaborar en ese festival era ir como asistente y que me llamaran para cantar en homenaje al Oswaldo, pero lo primero que debieron hacer, por ser yo miembro de la Fundación, era invitarme, y no lo hicieron (...) Es ese egoísmo que hay ahora para mí. ¿Por qué no se ha hecho un CD del Dúo? Han dicho que el Dúo no es de Quito porque yo soy de Otavalo, y yo he hecho más de la cuenta sin haber tenido el gusto de haber nacido en la capital, pero he tenido el gusto de haber nacido en Otavalo, la tierra de mis padres.
Lo que quería (JFV) es que yo cantara una estrofa, y él otra. Le pregunté cuándo fue grabado Ángel de luz, y no sabía. Después le pedí que cantara el pasillo que dijo que ha compuesto, y vino con un guitarrista que tocaba en una sola cuerda...
¿Sintió que eso fue una falta de respeto para usted?

¡Carajo! Eso quería oír de tus labios. Él no podía seguir, entonces le dije 'este pasillo tiene un ritmo que está escrito, lo que acabas de cantar está muy bien cantado, pero no es pasillo, es una balada'. Después cantó su canción, y dijo que es pasillo, 'no, no es pasillo, es el mismo ritmo en el que cantaste el Ángel de Luz. -le dije- Lo que tú quieres hacer es cantar a mi lado y nada más, porque cantar estrofa tras estrofa no es dúo'.

Usted prometió no volver a cantar a dúo luego de la muerte del 'Potolo'. ¿Por qué?

Cuando murió yo quedé muy amargado, como buen compañero. Tenía que cobrar su mensualidad y no lo hice, porque el contratista estaba en Japón. Cuando volvió, me recibió con un abrazo que duró media hora. Lloraba él y lloraba yo. Después nos serenamos y me obligó a que siguiera cantando solo, y yo no tenía intención de hacerlo.

En la primera audición estuve muy cobarde, la voz no salía clara, había un quejido porque me acordaba, entonces le expliqué al público que yo seguiría cantando solo para guardar una consecuencia al amigo y al artista, y solté un poquito de lágrimas. Bastantes. Canté durante 3 años y ya no quise seguir, fui separándome del escenario. Esa fue la terminación mía como solista.

¿A usted le gustaría que, al morir, le enterraran en una vasija de barro?

A mí, que me entierren dondequiera (...) ¿Cuál es el enemigo más grande del hombre?

¿El tiempo?

Qué linda contestación... No he perdido nada, solo el recibir el aplauso, pero ahora recibo la visita de la gente que me ha conocido desde tiempos atrás...

Cómo nació 'La Vasija de Barro?
La música es mía, dice Gonzalo Benítez, la hice en la casa d
el Oswaldo (Guayasamín). Un miércoles él me encontró en la calle y me invitó el siguiente 
viernes a un có
ctel en su casa. Vivía al lado de La Basílica...Llegamos a las diez o diez y media de la noche, y todos ya estaban bien 'alzados'. Él había invitado a sus compañeros de la Escuela de Bellas Artes, a poetas y a escritores, y de músicos, solamente al dúo Benítez y Valencia. De pronto Jorge Carrera Andrade se fue hacia una pared de la sala en donde estaba colgado el cuadro El Origen, donde el Oswaldo había pintado la vasija y dos esqueletos de chicos. Estaba fresco, pero el Jorge le pidió a Oswaldo una explicación. Él le contó que los Incas, cuando morían, eran enterrados en vasijas de barro...

Carrera Andrade se enamoró del cuadro, fue a la biblioteca del Oswaldo, cogió un libro y en la contratapa escribió: "yo quiero que a mí me entierren / como a mis antepasados / en el vientre oscuro y fresco / de una vasija de barro.".

Yo estaba en ese grupo de poetas y ya habíamos cantado unas canciones amenizando la velada, pero Valencia cogió el grupo de los 'tomadores'...

Luego tomó el libro el Hugo Alemán y escribió la segunda estrofa, después lo tomó uno que no era poeta (Jaime Valencia), y escribió: "arcilla cocida y dura, alma de verdes collados...". Jorge Enrique Adoum puso la cuarta: "de ti nací y a ti vuelvo / arcilla vaso de barro / con mi muerte yazgo en ti / a tu polvo enamorado".

Después, el Jorge Carrera Andrade me dijo: "esto con música debe ser una preciosidad", me puso en un gran compromiso porque el Valencia estaba por ahí perdiendo turnos, y al final le acepté.

Cogí la guitarra, el libro y me quedé en una grada sentado por tres cuartos de hora hasta hacer la música. A las 11 y media o doce de la noche subí, le grité a Valencia y nadie me respondía: en un sillón había estado -cuan largo era él- recostado, porque ya le habían cogido las copitas. Le canté, asoció y no le gustó..."le has puesto una música muy cadenciosa y demasiado tranquila, si esto puede tener un ritmo de albazo", me dijo... (risas).

jueves 9 de octubre de 2008

MEDARDO ÁNGEL SILVA El Atormentado Ángel Decapitado


Medardo Ángel Silva nació en Guayaquil el 8 de junio de 1898, y murió el 10 de junio de 1919 en la misma ciudad. Escritor, poeta, músico y compositor ecuatoriano, es considerado el mayor representante del modernismo en la poesía ecuatoriana.

Desde muy joven se destacó por sus composiciones literarias, pese a que su obra se hizo realmente conocida después de su muerte. Además, sabía interpretar obras musicales, gracias a la amistad que tenía con los padres agustinos en cuyo convento practicaba el piano.
Su poesía era hasta cierto punto romántica. Aun así, tenía las características de un modernismo que había llegado tardíamente al Ecuador y que estaba a punto de expirar en Europa, gracias a la influencia de la
revolución rusa y el advenimiento del marxismo. Después de su muerte sus poemas se publicaron en Francia en 1926.

De la misma forma, se sabe muy poco acerca de la supuesta amistad que mantuvo con otros jóvenes que tenían sus mismas aspiraciones estéticas, los poetas quiteños Ernesto Noboa y Caamaño, Arturo Borja y Humberto Fierro, quienes pertenecían a la alta aristocracia capitalina. A no ser de unas pocas cartas en donde se hablan de sus gustos literarios, no hay documentos ni testimonios que aseguren que estos poetas lo hayan conocido físicamente, peor aún que hayan sido sus amigos.

Medardo Ángel Silva fue un joven de la clase baja de Guayaquil, que logró cierto reconocimiento por su trabajo como periodista desde los 17 años (aproximadamente, cuando abandonó sus estudios en el colegio Vicente Rocafuerte) hasta su muerte, a los 21. Trabajó en imprentas pequeñas y luego colaboró en varios semanarios y revistas. Posteriormente, llegó a trabajar en el diario El Telégrafo, en la página de literatura, donde pudo publicar varios poemas y relatos cortos.

Silva no se graduó de bachiller, pero su condición de autodidacta lo llevó ser maestro escolar e incluso a leer en francés, así se le facilitó el contacto con la poesía de los simbolistas franceses (Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Charles Baudelaire), quienes llegaron a ser sus más grandes referentes. Sus influencias, además, fueron el modernismo de Rubén Darío y el misticismo de Amado Nervo.

A mediados de la década de 1950, cuando se hace una reseña del acontecer literario del Ecuador de principios del siglo XX, se encuentran similitudes en los escenarios poéticos de Silva y de los otros tres jóvenes de Quito, a quienes los separaba la distancia y la clase social a la que pertenecían. Así, a estos cuatro poetas se les denominó como la Generación Decapitada, porque la mayoría murieron jóvenes, con una intensa carrera literaria para sus pocos años de existencia.

Escribió bajo los seudónimos de "Jean D'Agreve" y "Oscar René", que adoptó en 1915.
Entre sus famosas obras literarias están:
El árbol del bien y del mal (poesía)
María Jesús (novela)
Trompetas de oro (poesía)
El alma en los labios (poesía)

Mucho se ha discutido acerca del carácter modernista de Silva. Su obra está llena de evocaciones a signos modernistas que llegaron tardíamente a Ecuador, pero a pesar de ello se conjuga con rezagos del romanticismo, lo cual no es una dicotomía sino una visión muy particular del arte de Silva, Fierro, Noboa y Borja.De Medardo Ángel Silva se dice que escribió como un modernista pero que vivió como un gran romántico. Prueba de ello fue su intensa vida y su trágica muerte.
La poesía romántico-modernista ecuatoriana evoca la exaltación del amor, la fascinación por lo exótico y un metódico tedio por la vida.

La muerte de Medardo Ángel Silva sigue siendo un misterio sin esclarecer: a los 21 años el joven poeta murió de un tiro en su cabeza. Posteriores análisis ponen en duda el suicidio, ya que la bala entró por detrás de la oreja. Sin embargo, nunca se investigó más allá y fue enterrado sin los ritos fúnebres católicos, por lo que se asume su muerte como un suicidio y eso ha llevado a la construcción de un imaginario popular acerca de sus últimas horas, en él se habla desde que habría estado jugando con el arma, y que su muerte fue un accidente, hasta que por una decepción amorosa habría tomado esa trágica decisión pues estaba perdidamente enamorado de su queridísima Rosa Amada.

Dejó en la orfandad a su hija María Mercedes Silva, de apenas un año, quien nació de un romance con la joven Angela Carrión Vallejo, quien vivía asilada en la casa de la madre del poeta.